El Spa de los Oídos

Porque eres lo que escuchas...

lunes, 8 de agosto de 2011

É isso aí (The Blower's Daughter) by Ana Carolina & Seu Jorge


 
Song: É isso aí (The Blower's Daughter) 
Artist: Ana Carolina & Seu Jorge 
Album: Ana & Jorge ao Vivo (2005) 
Label: Sony Music

Ana e Jorge ao Vivo fue un trabajo musical excepcional grabado en vivo en la ciudad de Sao Paulo, donde dos artistas provenientes de diferentes géneros, escuelas e influencias musicales dieron lo mejor de sí para experimentar con temas contemporáneos y tradicionales de la música popular brasilera.

Ella, con una voz suigeneris de tonalidad grave que linda entre una Rosana (España) y una Lucha Villa (México). Él, con toda esa mezcla heterogénea de alegria e inspiración artistica que produce el haber nacido en la garganta del país, parece contar historias con esa voz ronca y áspera delineada por el tabaco.

La canción: un tema pop contemporáneo que llevo al canadiense Damien Rice a estar en la boca de muchos jóvenes enamorados alrededor del mundo. "The Blower's Daughter" para el público anglo, un "No puedo dejarte de amar" para nosotros los latinos, y un "É isso aí", para nuestros hermanos del brasil. Diferente lengua, la misma composición, el mismo frenesí...

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Ana Carolina

Ana Carolina
Sousa (Juiz de Fora, 9 de septiembre de 1974) es una cantante, compositora e instrumentista brasileña. Su influencia musical viene de la cuna -su abuela cantaba en radio, sus tíos-abuelas tocaban percusión, piano, cello y violín. Ana Carolina creció oyendo iconos de la música brasileña como Chico Buarque, João Bosco y Maria Bethânia; en sus preferencias internacionales se destacan Nina Simone, Bjork y Alanis Morissette. Su carrera de cantante la inició en su adolescencia, presentándose en bares de su ciudad natal. Con la finalidad de hacer de la música una profesión, Ana deja el curso de Letras y sigue hacia Río de Janeiro. En un show en lo Mezcla Fina, Luciana de Moraes (hija de Vinícius de Moraes) se encanta con su voz grave y llena de melodía, lo cual permite que suscriba un contrato con la BMG.

Así, en 1999, llega al público de todo Brasil el CD «Ana Carolina». El CD es una verdadera obra de arte, rescata los clásicos antiguos de la MPB («Beatriz», «Alguém me disse» y «Retrato en Branco e Preto» de Chico Buarque) pasa por el Pop de Lulu Santos («Tudo bem») y revela a Ana Carolina como compositora (La Canción tocó en la hora errada, Cerrado, «Armazém» y «O Avesso dos Ponteiros») y también composiciones de Totonho Villeroy (Garganta, Tô saindo), que pasa a ser su gran compañero en composiciones. Fue a través de ese CD que Ana Carolina fue indicada al Grammy Latino.

Durante el proyecto Tom Acústico de 2004, el show entre Ana Carolina y el cantante Seu Jorge rindió un CD y DVD, titulado “Ana e Jorge: Ao Vivo”, que sólo fueron lanzados por la grabadora Sony Music el año siguiente y obtuvo muy buena recepción por el público y críticos musicales. La canción «É isso aí», alcanzó el primer lugar en las radios brasileñas. A partir de agosto de 2006, Ana Carolina pasó a integrar el cuerpo de presentadoras del programa Saia Justa, en el canal GNT. La presencia de la cantante y multi-instrumentista cómo única representante del área musical deja el programa aún más interesante.

A lo largo de su carrera, Ana Carolina ha ganado muchos premios; el más reciente fue el premio Multishow 2006, en las categorías Mejor Cantante y Mejor CD (por el trabajo “Ana e Jorge”).

Fuente: anacarolina.art.br

Seu Jorge


Seu Jorge es un músico, actor y compositor brasileño. Nacido como Jorge Mário da Silva, el surgió de una favela en la ciudad de Belford Roxo en la region Baixada Fluminense del estadio de Estado de Rio de Janeiro . Sus fans lo consideran como un renovador de estilo samba-pop brasileño. Sus trabajos han sido influenciados por las escuelas de samba, los compositores Nelson Cavaquinho y Zeca Pagodinho, entre otros también por el futbolista Romário y el cantante Norteamericano Stevie Wonder.

Como cantante, Seu Jorge («Senor Jorge») ha sido parte de la banda Farofa Carioca, componiendo la mayoría de los temas de su álbum debut Moro no Brasil - 1998. En 2001 fue lanzado Samba Esporte Fino, un álbum pop influenciado por Jorge Ben Jor, Gilberto Gil, y Milton Nascimento. Fue lanzado fuera de Brasil bajo el nombre Carolina in 2003. Su segundo álbum ,Cru («Crudo»), fue aclamado por la crítica y fue lanzado en 2005.

Seu Jorge ha logrado exposición a través de su trabajo como actor y compositor. Ha aparecido en la película Ciudad de Dios, y luego fue el tripulante Pelé Dos Santos en el film de Wes Anderson’ The Life Aquatic with Steve Zissou, para la cual hizo la mayoría de los soundtracks en portugués.


Fuente: lastfm.es

sábado, 6 de agosto de 2011

Mi Amor and L'étang by Stacey Kent


 
Song: Mi Amor 
Artist: Stacey Kent 
Album: Raconte-moi... (2010) 
Label: EMI Music
 
Song: L'étang 
Artist: Stacey Kent 
Album: Raconte-moi... (2010) 
Label: EMI Music

Resulta todo un placer escuchar una voz tan suave, cristalina y romántica como la de Stacey Kent. Nacida en E.E.U.U. pero con pasaporte de estrella mundial. Si tú colocas una esmeralda junto a un diamante, éste no va a opacar el brillo de la gema verde, antes las dos van a brillar mucho más. Eso ocurre con el acompañamiento musical detrás de Stacey, liderado por su esposo, el saxofonista Jim Tomlinson.

El amor por francia le llegó a esta diva de cabello corto por parte de su abuelo, quien le enseñó la lengua romance con la que nos deleita en Raconte-Moi... Todo un sueño cumplido para ella, quien en varias entrevistas ha afirmado que la idea de grabar un disco completamente en francés le daba vueltas desde hacia mucho tiempo.

Todavía recuerdo esa mañana cuando Julio Sánchez Cristo entrevistaba a Stacey Kent, desconocida para mí en ese entonces. Ahora sé que una voz puede enamorar... Por eso , aquí les dejo estas dos joyas de una cantante más bien poco conocida en estas latitudes, esa mujer con cara de adolescente que se esconde tras flores blancas desde un balcon del Hotel de Crillon en Paris. Merci beaucoup, Madame.

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La voz de Stacey Kent y su forma de cantar las más hermosas canciones de amor, la han convertido en una de las vocalistas más exitosas de los últimos tiempos y una de las joyas del catálogo del prestigioso sello Blue Note. Todo es elegancia y romanticismo en esta cantante americana asentada hace tiempo en Inglaterra, desde una entonación que a veces recuerda a Billie Holiday hasta un fraseo limpio a lo Nat “King” Cole.

Está casada con el saxo tenor Jim Tomlinson y la colaboración artística entre los dos está dando frutos extraordinarios. Su último disco conjunto, The Lyric, ha obtenido el premio al mejor álbum de jazz del año otorgado por la BBC, que se suma a otras distinciones conseguidas anteriormente en Gran Bretaña.

Stacey Kent pertenece a la nueva generación de mujeres que destacan en el panorama del jazz actual. Destaca por su brillante voz y su forma de interpretar: canta con emoción, dando calor a temas tradicionales de jazz con una soberbia dicción, ofreciendo uno de los mejores swings que hemos podido oír en los últimos años. Ha conseguido a lo largo de su carrera varias nominaciones y premios: British Jazz Award (2001), BBC Jazz Award (2002) y Backstage Bistro Award (2004).

Jay Livingston, compositor y ganador de tres Oscars, describió a la cantante de la siguiente manera: “Stacey Kent es toda una revelación. No hay ninguna cantante hoy en día que se pueda comparar a ella. Tiene el estilo de las grandes artistas como Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Canta las canciones como Nat Cole, limpias, claras y con un perfecto fraseo”. El tema preferido de las canciones de Stacey es el romanticismo. Se considera muy romántica y sus canciones, su estilo, sus historias reflejan todo ese sentimiento.

Fuente: lastfm.es

lunes, 25 de julio de 2011

I know by Gipsy Kings


 Song: I Know 
Artist: Gipsy Kings 
Album: Rare & Unplugged (2004) 
Label: Air Music And Media Sales Ltd

Conocí a los Gipsy Kings en la sala de mi casa estando muy pequeño, cuando mis padres llegaron con un disco negro con varios tipos en la portada, un par de guitarras y una letra roja alargada en donde se podía leer el nombre de la agrupación. Este álbum homónimo se convertiría en una joya de la música española con temas clásicos como Djobi Djoba, Quiero Saber, Bamboleo o esa exquisita versión de A mi Manera (My Way), sin contar los instrumentales monumentales (Faena, Moorea).

Con el pasar de los años descubrí que ese LP de pasta negra que adornaba la biblioteca de mi casa a comienzos de los 90's marcó una línea muy profunda para los españoles, pues sus intocables palos flamencos por primera vez se veían "transgredidos" por los nuevos ritmos como la rumba latina y el pop, éste último bastante popular por esos días. Los puristas y más tradicionales no se hicieron esperar con sus críticas hacia el grupo, pero la verdad todo el globo los recibía con los brazos abiertos mientras sostenían una copa de sangría en la mano.

Ya he hablado con anterioridad sobre el placer que me produce la evolución natural de los sonidos propios de las regiones del mundo, son un puente hacia otras culturas y nuevas generaciones, lo que se convierte en un efecto multiplicador para la música en sí misma. Estoy convencido que Armando Manzanero, tal vez el mejor compositor romántico de latinoamérica, recibió con beneplácito esta hermosa adaptación flamenca de su tema "Mía", titulada "I Know". I Know that you will love it.

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Los Gipsy Kings son hijos de emigrantes españoles en Francia. El padre de la mitad de la formación es José Reyes, cantante flamenco que hizo sus pinitos en los sesenta. Antes de eso se llamaban Los Reyes, nombre con el que grabaron al menos un disco. Ya como Gipsy Kings se hicieron famosos en los tardíos 80 y los 90, especialmente con su album «Mosaique», que contenía canciones propias y versiones de la canción popular como «Volare».

Su éxito masivo a base de la mezcla de pop y flamenco sorprendió en España y demostró una vez más que en este país muchas veces se cumple aquello de «nadie es profeta en su tierra»; ya que se produjo en un momento el el cual el flamenco fusión estaba arrinconando a artistas de culto como Pata Negra o Triana, aun habiendo habido antecedentes populares años atrás, especialmente en el mudo de la rumba como Los Chichos, Los Chunguitos, Rumba 3

Pero el gran exito de esta banda no es en España donde son prácticamente desconocidos, y donde no han venido nunca a tocar, sino en el resto del mundo, especialmente en Estados Unidos y Europa.

Fuente: lastfm.es

martes, 12 de julio de 2011

Fly Love by Jamie Foxx

 
Song: Fly Love 
Artist: Jamie Foxx 
Album: Rio (OST) (2011) 
Label: Will I am

Dos aves azules de una misma especie en extinción coquetean en el techo de un tranvia mientras sus amigos les juegan bromas y los acompañan cantando una suave bossa nova por las calles de Rio de Janeiro. Al tiempo que el vehículo pasa bajo los arboles, de estos se desprenden flores de color rosa y violeta que enmarcan esta mágica escena.

Seguramente muchos recuerdan estos minutos de la película animada "Rio", y sí, yo también quise averiguar quién cantaba en ese momento. Vaya sorpresa al encontrarme con que era la misma persona que le dio vida al genial Ray Charles en la afamada película "Ray". Y es que aquí Jamie Foxx sorprende mostrando una faceta escondida tras las bambalinas del R&B, género que abraza el jazz por instantes, y ha sido su carta de presentación musical.

Una canción para dedicar, porque no creo que se vayan a quedar con las ganas de conocer la letra completa... He aquí un fragmento:

Realmente no estaba pensando, no estaba buscando , no buscaba una respuesta
A la luz de la luna
Cuando vi tu rostro
Te vi mirándome
Te vi alcanzando el máximo bajo los rayos de luna
A través de las palmeras
Balanceándose en la brisa
Se que estoy sintiendo mucho más que nunca
Y por eso te estoy dando mas de lo que pensé que podía dar
No se como sucedió
No se por qué, pero realmente no necesitas una razón
Cuando brillan las estrellas...

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Eric Marlon Bishop (n. Terrell, Texas, EE.UU, 13 de diciembre de 1967), más conocido como Jamie Foxx, es un actor y cantante de R&B estadounidense. Tras el divorcio de sus padres, fue adoptado por sus abuelos a la edad de 7 meses. Dice que tuvo una infancia rígida en los Boy Scouts y el coro de la iglesia. Estudió música en la universidad. Publicó un álbum musical en 1994, Peep This, y cantó todas las canciones de su película Un domingo cualquiera (1999). Su vida cambió en 1989 cuando, gracias a una amiga, empezó a actuar en el Club de la Comedia. A partir de entonces, fue contratado en varias series de televisión hasta que consiguió tener la suya propia. Tiene una hija, Corrine, nacida en 1995, que vive con su madre.

Comenzó tocando el piano a una edad muy temprana, y posteriormente asisitió a clases de piano clásico en la universidad. En 1994, grabó su primer álbum bajo su propio sello discográfico titulado Peep This, con el que obtuvo poco éxito comercial. En 2001, presentó los MTV Video Music Awards. Se dio a conocer al público musical con su colaboración en el single «Slow Jamz» de Twista con Kanye West. Esta canción se situó #1 en la lista de singles Billboard Hot 100 y #3 en el Reino Unido. Su segunda aparición fue en el éxito de Kanye West «Gold Digger», número uno en la Hot 100 durante diez semanas. En 2005, colaboró en el tema «Georgia» con Ludacris y Field Mob. La canción sampleaba al «Georgia on My Mind» de Ray Charles.

Durante los Grammy de 2005, Foxx cantó el «Georgia on My Mind» en directo con Alicia Keys y Quincy Jones en tributo al fallecido Ray Charles. Foxx recibió una nominación para los Grammy de 2006 por «Mejor Actuación Vocal Masculina de R&B» («Creepin»). Unpredictable es el segundo álbum de estudio de Jamie. Vendió en la primera semana 598.00 copias, situándose en la segunda como número uno en la lista de Billboard de álbumes pop (en la segunda semana vendió 200.000 copias). En el Reino Unido, el álbum llegó al puesto noveno.

Foxx se convirtió en el cuarto artista en recibir un Oscar (por su papel como Charles en la película Ray) y colocar un álbum en lo más alto (los otros tres en lograr esta hazaña son Frank Sinatra, Bing Crosby y Barbra Streisand).

Fuente: lastfm.es

lunes, 11 de julio de 2011

Urban Night (feat. Stefano di Battista) by Gabin

 
Song: Urban Night (feat. Stefano di Battista)
Artist: Gabin
Album: Time to Relax Vol. 1 (2002)
Label: Astralwerks

Quién no ha caminado por la noche en la ciudad y se ha dejado seducir por la nostalgia de un amor pasado, con un viento acariciando el rostro y una luna de locos en el firmamento. Si tal escenario tuviera su banda sonora, esta sería muy seguramente Urban Night, en donde el dueto italiano Gabin con la colaboración del magnífico saxofón de otro italiano, Stefano di Battista, logran alcanzar los lugares más recónditos de nuestra mente.

La interpretación de Stefano es simplemente exquisita y cautivadora, engrandecida en el fondo por un contrabajo, unas delicadas notas de piano que de cuando en cuando se dejan disfrutar y un grupo de efectos digitales propios del ambient.

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Integrado por los italianos, Filippo Clary y Max Bottini, la música de Gabin es fundamentalmente bailable. Si bien tienen un toque de electro-jazz y jazz-house, sus temas gozan de un sonido adictivo y pegajoso, disfrutado por un grupo bastante heterogéneo en la pista. Alegría, buena onda y una sensación de bienestar, quedan en evidencia en Into My Soul (Featuring Dee Dee Bridgewater).

Gabin incluye canciones que destilan melancolía, y un sabor de antaño combinado con lo mejor de la electrónica contemporánea. La mixtura entre Clary, afamado Dj de Roma, experto en música de baile y chill-out- y Bottini - prestigioso intérprete del contrabajo- da como resultado una de las propuestas más estimulantes del electro-jazz. Según Max, “era la primera vez que componíamos algo sin pensar en que tenía que ser comercial o popular, sin pensar en ningún mercado. Lo hicimos simplemente por diversión y por amor a la música, que ha sido siempre nuestra vida. Gabin fue lo que surgió”. Parte de este éxito se debió a uno de los singles, Doo Uap, Doo Uap, Doo Uap, un tema de jazz-house que llegó a ser el tercero más vendido de Italia. Este fabuloso tema, uno de los mejores de electro-jazz jamás compuestos, además de utilizarse en numerosos anuncios y sonar frecuentemente en clubes y en la radio, atrajo la atención de numerosos oyentes, que se interesaron por la música de este excelente dueto italiano.

Por su parte, Stefano di Battista, nacido el 14 de Febrero de 1969, es un saxofonista (soprano y alto) de jazz italiano. Nació en Roma y empezó a tocar a los trece años con sus amigos. Empezó a estar interesado en el Jazz al escuchar Art Pepper. En Italia, ha recibido orientación de Massimo Urbani. Stefano ha participado en una gira con Elvin Jones Jazz Machine.

Fuente: lastfm.es

miércoles, 6 de julio de 2011

Whispers in the Moonlight by Omar

 
Song: Whispers in the Moonlight
Artist: Omar
Album: iRelax: In Traffic (2007)
Label: Real Music

Omar, cuyo nombre completo es Omar Akram, es un artista hijo de un diplomático de las Naciones Unidas, atributo que le permitió desde muy niño conocer y vivir en países tan exóticos y disímiles como Afganistán, Francia, Cuba y República Checa. Fue considerado a los 14 años como un prodigio del piano, al tiempo que se sumergía en la música de Jean Michelle Jarre, Kitaro y Vangelis, entre otros artistas que configuran ese periplo musical llamado new age, quienes sin duda fueron influencias importantes para el sonido de este "creador de sonidos".

Me cautiva de Whispers in the Moonlight la forma como se fusiona el piano, la guitarra y la flauta de pan en un ambiente sonoro mediterráneo con asomos de new flamenco, que por momentos me recuerdan a los acompañamientos de Ottmar Liebert, pero siempre conservando la delicadeza en la melodía y los arpegios característica de la música new age, eso que nos hace buscarla entre los arbustos o en medio de las estrellas. Podrán llamarla "música ligera" o lo-fi, pero seguiré pregonando grandes cosas sobre la música new age, sobretodo que ayuda mucho en ese intento incesante de encauzar los pensamientos hacia el lugar de los sueños.

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jueves, 23 de junio de 2011

Lift Up by Soulstance

 
Song: Lift Up
Artist: Soulstance
Album: Modern sounds from Italy (2003)
Label: Schema Records

Siguiendo con el nu-jazz, les traigo un tema que hace parte de mi gran lista de favoritos. Lift Up inicia con un suave toque de swing al mejor estilo de los años 60's y con toda su magia en la escobilla y el vibráfono, mientras se va descubriendo una trompeta que parece sacada de una película de James Bond o de una banda sonora de Morricone. Poco después el tema acelera los beats para introducirse en una atmósfera lounge totalmente urbana en la que una sordina se convierte en protagonista con deliciosas improvisaciones. En fin, pura poesía de estudio musical con el sello de Schema Records. Disfrútenlo... Enjoy it... Buon Divertimento...

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Soulstance es un proyecto de los hermanos Enzo (contrabajo electrónico y acústico, flauta, guitarra, teclados y programación) y Gianni Lo Greco (batería y percusión), dos nombres fundamentales de la escena nu-jazz italiana, ligados al sello Schema Records, y que quizá conozcas por sus proyectos Quintetto Lo Greco y Quartetto Lo Greco. Su música es una fusión de jazz, soul, funk, r&b, break beats, easy listening, lounge, las bandas sonoras de los 60, bossa nova, samba y electrónica. Su propuesta consiste en fusionar el jazz con lo que se les antoje, pero siempre con brillantes resultados. Es un proyecto perfecto para los que quieran introducirse en el jazz (o en el nu-jazz con más sabor a jazz), porque sus álbumes son muy accesibles y muy agradables de escuchar, incluso con ciertos temas aptos para los clubs.

Animados por Luciano Cantone, uno de los directores y creadores del sello italiano Schema Records, debutaron con el álbum En Route, en 1999, cuyo muy positivo recibimiento debió de animarles, porque se metieron de nuevo en el estudio para tener listo su segundo trabajo, Act On, sólo un año después. En el 2003 llegaba Life Size, mientras que su cuarto disco, Lead The Way, se edita en Mayo del 2006. A finales del 2009, el dúo presentó un nuevo proyecto, Milano Jazz Dance Combo.

Fuente: acidjazzhispano.com

lunes, 20 de junio de 2011

Stay (In Mood) by Paolo Fedreghini and Marco Bianchi


 
Song: Stay (In Mood)
Artist: Paolo Fedreghini and Marco Bianchi
Album: Several Additional Waves (2006)
Label: Schema Records

El nu-jazz tiene una gran acogida en Italia, de la mano de maestros de la escena jazzística y electrónica como Nicola Conte, Marco Bianchi y Paolo Fedreghini. Muchas de sus canciones se pueden bailar en una disco, como es el caso de Stay (In Mood), un remix del original clásico de Paolo y Marco.

En general, les puedo decir que todo lo que se encuentren a nivel musical que tenga el sello de Schema Records, es de gran factura: Gerardo Frisina, S-Tone Inc., The Dining Rooms, Soulstance, son algunos artistas exclusivos de esta discográfica que se apoderarán de su estéreo y que verán próximamente por estos lares.

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Paolo Fedreghini & Marco Bianchi es un dúo italiano formado en el 2004, continuación de un proyecto anterior llamado Paul & Mark. Su música es una muestra del mejor nu-jazz, el que retoma el sonido del jazz tradicional (en este caso el de los años 50 y 60), y lo reinterpreta en clave de club, incorporando elementos electrónicos. Es una propuesta ideal para los que disfruten con el nu-jazz en el que la parte instrumental, es decir, la jazzística, tiene mayor importancia que la electrónica, que no es más que un discreto elemento. En efecto, aunque las producciones del dúo incorporan beats provenientes de máquinas y algunos temas pueden funcionar en las pistas de baile, se trata, ante todo, de jazz, de buen jazz, o más precisamente, de buen nu-jazz. Para los que disfruten con Povo, The Five Corners Quintet, Nicola Conte o Koop, este grupo será un grato descubrimiento.

Paolo Fedreghini nació en Milán, empezando a escuchar música a los cinco años, influído por la gran pasión de su padre. Estudió dos años de piano, hasta que su interés por el rock y el soul encaminaron sus pasos en otra dirección. Amante del funk y de la música disco, presentó un programa de radio de música negra, conviertiéndose pronto en DJ en otra radio más importante y, progresivamente, en clubs y fiestas privadas. A mediados de los ochenta fundó una banda de funk llamada Flower Funk Band, en la que tocaba el Fender Rhodes, el mismo que ahora se escucha en sus producciones. Ya en los noventa deja la formación para asistir a clases de piano, con un profesor muy especial: Marco Bianchi. Actualmente produce álbumes para Schema Records, es asesor musical del grupo Mediaset, escribe bandas sonoras para cine, documentales y televisión, aplicaciones de audio para exposiciones de pintura, arte y fotografía y sigue ejerciendo de DJ en los clubes más prestigiosos. Antes de formar dúo con Bianchi, editó un vinilo en Milano 2000 (uno de los sellos de Ishtar) que incluía el hit Please don’t leave, un éxito en clubes de todo el mundo.

Marco Bianchi empezó a tocar el órgano que su padre le ragaló a temprana edad, asistiendo pronto a classe de piano privadas para ser posteriormente admitido en el conservatorio Giuseppe Verdi de Milán. Una vez finalizados sus estudios, descubre y aprecia la música estadounidense, especialmente el jazz. Actualmente divide su actividad entre la enseñanza, conciertos y producciones de diverso género, frecuentemente como arreglista. Como pianista reconoce las influencias de Hank Jones, Tommy Flanaghan, Winton Kelly, Red Garland, Bud Powell, Chick Corea, Keith Jarrett y Herbie Hancock, y ha trabajado con importantes artistas italianos e internacionales, como Luca Jurman, Gigi Cifarelli, Renato Daiello, Laura Fedele, Irene Grandi, Tullio De Piscopo, Maxx Furian, Paolo Scocca, Silvio Verdi, Giorgio Di Tullio, Stefano Colnaghi, Laura Pausini, Steve Smith o Thomas Moekle. Antes de su colaboración con Fedreghini ya había editado seis álbumes, tres con un grupo llamado Everest (Everest, Around the time y Dialoghi ed impressioni), dos como Subject (Soggetti a rischio y Subjects) y uno como Furian, Bianchi, Scoca (Japanes).

La discografía del dúo se compone de dos magníficos álbumes, Several people, editado en Schema Records en el 2004, en el que contaron con la participación de los vocalistas Angela Baggi, Claudia Bernath, Annie Evans, Daniel Richards y Ermanno Principe, y Several additional waves, un trabajo en el que el propio dúo reinterpreta, en clave electrónica, los originales del primer disco, que sale a la venta a finales de Enero del 2006.

Fuente: acidjazzhipano.com

martes, 14 de junio de 2011

Spain by Michel Camilo & Tomatito


 
Song: Spain
Artist: Michel Camilo & Tomatito
Album: Spain (2000)
Label: Lola Records

Lo mejor de dos mundos, dos paraisos separados por un océano que ambos han visto amanecer al compás de sus interpretaciones: República Dominicana y España. La primera, una isla en el Caribe que vio nacer a uno de los más grandes exponentes del jazz e intérpretes de piano de todo el mundo. El segundo, un país inmaculado y desbordante de cultura, historia y por supuesto, música. Aquí nació Tomatito, un prodigio de la nueva escena del flamenco.

Escuchando Spain, descubres como la música es una verdadera conversación con interpelaciones, exclamaciones y descripciones. Sin siquiera un bajo acompañando, las blancas y negras acariciadas maravillosamente se unen con ese rasgueo de las cuerdas de la guitarra que abraza las entrañas; lo demás es silencio.

Sólo disfrute de buen jazz con sabor andaluz, así es Spain, un tema que podría algún día convertirse en himno del país ibérico, al lado de un "Mediterráneo" de Serrat o de un "Volando Voy" del Camarón de la isla.

spadelosoidos.blogspot.com

A medio camino entre las orillas atlánticas, un cruce musical de ida y vuelta. Tomatito y Michel Camilo. Guitarra y piano. Flamenco y jazz. Ese punto de encuentro transoceánico, que desata apacibles maremotos es, según Michel Camilo, «el sentimiento musical». El pianista dominicano se abrillanta los ojos y ensancha aún más la inmutable sonrisa explicando que «lo me atrajo del flamenco, del jazz y de la música latina es la vibración espiritual común». Y cuenta que al oír flamenco se estremece por «la risa, el llanto, la angustia»… por la explosiva mezcla de sentimientos. Tomatito matiza que «el punto de encuentro no está en la música, sino en los músicos». Para el tocaor almeriense este «viaje», como lo llama Camilo, es un producto salido del «cariño, pues los dos nos sentimos fuertemente conectados». Tomatito, desde su mirada honda, dice que «cada uno hace lo que sabe, tal como lo sabe expresar… no hay más química».

El hallazgo de ese lugar donde se encuentra el gen común al jazz y al flamenco no ha sido casual. Michel Camilo, personaje hablador e inquieto, comenta que Spain «es el resultado de más de cuarenta conciertos previos, que han supuesto un proceso de integración». Una integración entre músicos, músicas e instrumentos. Porque al oír Spain no se sabe dónde empieza la guitarra ni dónde el piano, dónde empieza el flamenco ni dónde termina el jazz. Un arranque por soleás se torna, de súbito, en una zambullida por los jugueteos armónicos de Nueva Orleans, en un sigiloso paseo por palos festeros, en un sueño, en un vuelo que acaba por no entender de lindes.

Y los instrumentos se derriten y modelan en uno solo. En Spain, el piano no asume el rol de cante y la guitarra de acompañamiento, sino que las cuerdas se funden y confunden. Una fusión que, según señala Tomatito, «sale sin esfuerzo, simplemente, por las ganas que tienes de expresar lo que estás sintiendo». Michel Camilo lo ve como el resultado de una «profunda confianza que, lejos de dudar, nos lleva a arriesgar cada vez más. Es una alianza que si planeas mucho, no sale. Simplemente, es cuestión de cariño, de saber que el otro está ahí… es como magia».

El hechizo brota de una marcada admiración mutua que, en los directos, se hace masticable. Durante los solos, el silencioso aguarda su turno embelesado de puro respeto, hasta que el momento del reencuentro regresa. Y, en cada reencuentro, rehacen la grabación con nuevos diálogos musicales. Michel Camilo anota que «siempre que tocamos, hay algo diferente que nos lanzamos el uno al otro».

Pero siempre se retorna al punto de referencia: Spain o España o su música o su cultura. Michel Camilo puntualiza que «el nombre del disco parte de Spain, la pieza de Chick Corea -versionada en el disco-, con la que hemos querido hacer referencia a experimentos previos en esta misma línea». El nombre lo dio Fernando Trueba, el cineasta enamorado del jazz y del flamenco que produjo el trabajo bajo el sello Lola Records. Camilo recuerda que Trueba lo eligió pensando en un «término conocido mundialmente, un título que conecte con todo el mundo, pero dejando claro que sale desde España hacia el mundo».

Pero de esa vuelta al mundo, pasando por Spain, Tomatito dice no esperar nada, «sólo pretendo obtener satisfacciones y aprender. En este mundo, en el que el tiempo te va envejeciendo, lo único que me mantiene joven es la música. Si me estanco, pierdo agilidad mental… necesito seguir aprendiendo para estar vivo».

Fuente: lastfm.es

viernes, 10 de junio de 2011

Cuban Danube by Klazz Brothers & Cuba Percussion


 
Song: Cuban Danube
Artist: Klazz Brothers & Cuban Percussion
Album: Classic Meets Cuba Symphonic Salsa (2006)
Label: Sony BMG Europe

En una de sus giras por todo el mundo, la orquesta filarmónica de Dresden, Alemania, arribó a la afilada isla de Cuba. En pleno Caribe, lejos de esa europa de cuatro estaciones y tan cerca de palmeras, mojitos y mujeres trigueñas sacadas de un calendario que valdría varios cientos de euros, tres músicos de la afamada agrupación se dejaron vencer por la música antillana que les saludaba con percusión y mucho sabor latino.

Fue así como Tobias y Kilian Forster junto con Tim Hahn, formaron los Klazz Brothers, que con sus proyectos musicales seguramente han hecho despotricar a varios Conservatorios alrededor del mundo. Y es que abrirle un nuevo respiradero a temas del repertorio popular clásico, como este Danubio Azul en ritmo de Bolero-Cha, es toda una osadía con resultados maravillosos que, en opinión personal, hablan de la libertad creativa a la que nos exponemos los músicos e instrumentistas. ¿Se pueden imaginar qué sabrosas serían esas coreografías de las fiestas de Quince Años con estos antojos de fiesta cubana...? 

spadelosoidos.blogspot.com

Imaginen ustedes a Johan Strauss descendiendo de un coche arrastrado por caballos que se detiene ante las blanquísimas, voluptuosas, incitantes playas de Varadero, bajo ese sol nítido, abrasador del caribe, sometido a los vaivenes de la brisa que le llega de un mar multicolor con todas las tonalidades imaginables del lapizlázuli hasta el aguamarina. Primero lanzaría lejos el sombrero de copa, el sacoleva sería inconcebible; la bufanda y las altas botas igualmente desechadas. Entonces su imaginación, sublimada por esa constelación indescriptible de la naturaleza, solo podría escribir notas en compases de dos por cuatro en los que se desatan las sensualidades del son y el bolero montuno, ya que solo al amanecer, junto a las palmeras y la cercana luna volvería a pensar en las tesituras reprimidas de sus valses originales.

Algo similar acontecería con el inquieto Wolfgang Amadeus, correteando feliz por las callejuelas de Trinidad o intrigado frente a las mágicas invocaciones de los babalaos de Guanabacoa. ¿Podría sobrevivir a ese embrujo tropical sin componer un alegre mambo? De Piotr Tchaikovsky cualquiera cosa podría esperarse y hasta del sentimentalmente volátil Johan Von Fiederich Chopin cambiando sus Polonesas por alegres camadas de Cubanas. Este duo de geniales compositores, enfundados en vistosas guayaberas, de vacaciones por el Caribe verían transformarse sus delicados valses junto a fantásticos lagos, en melodías más cercanas a la realidad de los sentimientos humanos que se viven en esta parte del Universo.

La creatividad de todos estos monstruos sagrados: Mendelsohn, Liszt, Bizet, y en especial del genial Juan Sebastián Bach, se rinde ante la fantasía de la naturaleza latinoamericana y se transforma en una cosmogonía melódica de dimensiones desconocidas. Los temas así expresados constituyen la respuesta a los interrogantes que siempre nos hicímos cuando escuchamos a los clásicos de los rítmos cubanos: ¿Qué diría cualquiera de los grandes maestros si supiera lo que hacemos con los violines, el piano, las trompetas y la batería?

Fuente: croniquillas.blogspot.com


miércoles, 8 de junio de 2011

Melodía del Río by Rubén González

 
Song: Melodía del Río 
Artist: Rubén González 
Album: Introducing... Rubén González (1997) 
Label: Nonesuch

Siempre he pensado que quien quiera tener un buen referente de la mejor música del planeta debe pasar obligatoriamente por tres sedes: Cuba, Brasil y España. La primera de éstas, es tal vez el país con más talento musical por metro cuadrado en el mundo. Casi que los niños aprenden a tocar un instrumento a la par que aprenden a caminar. Éste fue el caso de Rubén González, que aprendió a tocar el piano en la Escuela de Cienfuegos, que quizó estudiar medicina, pero tuvo que abandonar la carrera por problemas económicos. Pudo haberse convertido en otro Rubinstein o un Liberace caribeño, pero optó por un lugar más honorífico: convertirse en toda una leyenda de la música cubana y pasar a la historia como uno de los más grandes pianistas del siglo XX. El sonido de Rubén es exquisito y sus manos logran acariciar cada tecla, ocultando una artritis que le aquejaba hacía varios años. No dejo de disfrutar esa preciosa Melodía del Río que me recuerda los innumerables y agradables sabores que tiene el bolero, el magistral solo del Quiquiribu Mandinga, y lo rico que es imaginarme tomando un Cuba Libre con Tres Lindas Cubanas mientras paso por un viejo edificio donde se puede leer en letras grandes: EGREM.

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"El más grande solista de piano que he escuchado en mi vida. Una mezcla cubana entre Thelonius Monk y Felix The Cat." (Ry Cooder)

"En marzo visité a Rubén (González) en su casa, más o menos a quince minutos del centro de La Habana. Al llegar, Rubén me sugirió que regresáramos a mi hotel para conversar. Me explicó que la electricidad siempre se va en esa parte de la ciudad a las seis de la tarde los lunes. Sin embargo, yo sospechaba otra cosa, que pude confirmar más tarde: Desde que su piano fue destruido por los comejenes años atrás, no ha podido tener otro". La existencia de un piano en el lobby del hotel donde se alojaba Nigel Williamson, autor de la nota del folleto informativo del disco, era la verdadera razón por la cual González prefería conversar lejos de su casa. "Rubén es un hombre que vive alerta de cualquier piano que pueda pedir por una hora o dos". Esto ocurría cuando, apenas hace unos poco años, el ahora famoso pianista cubano, estaba olvidado en su casa de La Habana, artrítico y con escasas posibilidades de practicar su arte. El álbum Introducing... Rubén González es el primero que éste graba como solista en más de cincuenta años de actividad profesional. Nació en 1919 en Santa Clara. Fue pianista de Arsenio Rodríguez en los años cuarenta en Cuba y más tarde trabajó con Enrique Jorrín. El disco, un instrumental de gran elegancia, se pasea por standards como Cumbanchero, Almendra, Siboney, Tres lindas cubanas... y tres composiciones del propio González. Este es uno de los discos de la trilogía (Buena Vista Social Club y Afro Cuban All Stars la completan) que marca un hito, a finales de siglo, en la música cubana de los años cincuenta, llevada, de la mano de World Circuit, y a través del talento de estos grandes músicos —que parecían condenados a morir en el olvido más absoluto—, a un inesperado éxito comercial. La simpatía y el talento de González se reflejan directamente en este disco. (Entrevista a Rubén González)
Fuente: anapapaya.com
El pianista cubano Rubén González ha vivido en medio de las grandes influencias musicales de este siglo, desde la aparición del son a la salsa y hasta el latin jazz y más. Nacido en 1919, González, ya retirado de su carrera profesional años antes de éste, su CD de debut, el disco fue grabado. Él resurgió en 1996 cuando Worl Circuit aterrizó en Cuba para grabar por varios días. Rubén terminó realizando un emocionante lanzamiento. Este "improvisado" CD fue editado en un día, y su ágil ambientación brilla por sí sola. González interpreta un arcoiris de ritmos cubanos y logra profundas conversaciones con sus músicos: especialmente la percusión y la trompeta solista. --Andrew Bartlett

Fuente: amazon.com

Kiara and El Toro by Bonobo


Song: Kiara
Artist: Bonobo
Album: Black Sands (2010) 
Label: Ninja Tune Records


 
Song: El Toro
Artist: Bonobo
Album: Black Sands (2010)
Label: Ninja Tune Records

Para muchos que se hacen llamar "críticos musicales" o "conocedores", los instrumentos reales y la electrónica no pueden formar un matrimonio ejemplar. Pero la verdad es que no podrían estar más equivocados. Gracias a DJ productores como el británico Simon Green, más conocido como Bonobo, los sonidos eclécticos de violines, chelos, flautas y hasta coros orientales, así como otros protagonistas de occidente hasta oriente, pueden fundirse en escenarios electrónicos con un suave sabor urbano no comercial.

Kiara y El Toro son dos placeres que hacen parte de la última producción de Bonobo titulada Black Sands, que hablan por sí solas de la capacidad de este artista para elaborar atmósferas que parecen evocar una calle en Calcuta, una vitrina del barrio rojo de Amsterdam o una escena underground en New York, eso sí, sin perder un estilo que pocos artistas llegan a alcanzar ni en toda una vida. En otras palabras, un músico para no perder de vista.

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Bonobo es el proyecto musical del inglés Simon Green, prestigioso productor y, desde hace unos años, DJ reclamado en todo el mundo. Su música suele clasificarse como trip-hop downtempo, electrónica chill-out, pero es mucho más que eso. Es la suya una fascinante y cautivadora fusión de elementos muy diversos, la mayor parte provenientes de máquinas, pero dando una sensación extrañamente orgánica. Voces, atmósferas hipnóticas, ambientes jazzy, melodías de pop/rock, uso abundante del sitar, pero también de otros instrumentos como la flauta, el saxo o los teclados: estas son las características principales de los álbumes de Bonobo. A lo largo de su carrera, no obstante, se aprecia una mayor tendencia hacia la instrumentación real (lo que se ha traducido en la creación de una formación estable para las actuaciones en directo en todo el mundo), así como una diversificación de su sonido, aunque siga siendo enormemente personal y reconocible. La de Green es una propuesta que ha obtenido una acogida sorprendentemente favorable, y no sólo por parte de los consumidores habituales de electrónica. Se trata de un pequeño fenómeno comercial que no para de crecer y que lleva camino de convertir a Bonobo en uno de los artistas más conocidos de la escena alternativa.

Fuente: acidjazzhispano.com

jueves, 2 de junio de 2011

Boarding Pass and Wistful Day by Briza

 
Song: Boarding Pass 
Artist: Briza 
Album: Ambient Café (2006) 
Label: Gemini Sound Records
 
Song: Wistful Day 
Artist: Briza 
Album: Ambient Café (2006) 
Label: Gemini Sound Records

Briza esta conformado por David Arkenstone (guitarra, teclados, percusión) y Nicholas Gunn (flauta). Ambient Café es sencillamente un masaje para los oídos y un descanso para la mente y el cuerpo con canciones que lindan entre chill-out y new age.

Categorizado como una agrupación "under 2000 listeners" en la red social musical lastfm, vale la pena escuchar y dejarse llevar por la briza, no se arrepentirán.

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jueves, 26 de mayo de 2011

Una Disco llena by Los Amigos Invisibles


Song: Una Disco llena
Artist: Los Amigos Invisibles
Album: The Venezuelan Zinga Son vol. 1 (2004)
Label: Luaka Bop


Realmente, después de leer una reseña sobre Los Amigos Invisibles de la página acidjazz.com, conducida por un melómano de tiempo completo como Santiago Tadeo, son muy pocas las cosas que puedo agregar sobre esta banda, que se ha convertido en una de mis preferidas desde hace tiempo.

"Buenas Noches Mis Amigos Invisibles..." Así empezaba un reconocido presentador su popularísimo programa en la televisión venezolana en los años 80's en donde hablaba de cultura, historia y política. Los Amigos Invisibles es una completa gozadera con buena música. Sus letras no hablan de historia ni de política, los temas preferidos del progenitor del afamado nombre de la banda, más bien invitan a la rumba y el sexo, lo que les ha definido un estilo diferencial, no sólo en Venezuela, en donde ya son un icono, sino en casi todo los países que entienden lo que significa la palabra Culo. Su sonido lo catalogaría como Latin Groove, pero su apego al Funk y a la electrónica es todo un hecho. No hacen rock exclusivamente, tampoco lounge ni jazz, simplemente te van a dar ganas de bailar con una nena muy cerca cuando escuches cualquier canción de mis amigos, Los Invisibles.

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Los Amigos Invisibles es un sexteto venezolano compuesto por Mauricio Arcas (percusión), Julio Briceño (voz), Armando Figueredo (teclados), José Luis Pardo (guitarra), Juan Manuel Roura (batería) y José Rafael Torres (bajo). Su música es una brillante fusión de múltiples estilos: acid jazz, jazz-funk, disco, pop, house, bossa-nova, electrónica, lounge, son cubano... Claro que lo que mejor define su propuesta es el toque latino que imprimen a casi todas sus composiciones y su facilidad para producir temas que invitan al baile: su música puede calificarse, aunque sólo sea una simplificación, como dance latino. De hecho, el grupo nació como una alternativa a la música de baile que predominaba a principios de los 90, emprendiendo “una cruzada por convencer a los dueños de discotecas quebradas que bailar no solo es salsa y merengue y que guitarra eléctrica no es igual a punketo”. En sus más de dos décadas de carrera, la banda venezolana ha efectuado una imparable ascensión que la ha convertido en un referente mundial del acid jazz, en un grupo cuyos trabajos se editan desde Nueva York hasta Japón. Se trata, por tanto, de uno de los conjuntos más interesantes, estimulantes y recomendables en lo que a música negra bailable se refiere.

Los Amigos Invisibles se forma en 1991, “en respuesta a la movida de grupos rockeros y dark” de Venezuela, convirtiéndose en la única banda dance del país. Cuatro años más tarde, Boris Milán, dueño de un estudio en Caracas invita al sexteto a grabar su álbum debut, gracias a la financiación de alguien que prefiere mantenerse en el anonimato. Sin embargo, una vez grabado el disco y un videoclip, el mecenas contrae matrimonio, lo que deja a los venezolanos sin manera de distribuir su primer trabajo. Afortunadamente, gracias a Caplís (bajista de Desorden Público), contactan con EMI Venezuela, que se encarga de la distribución: A Typical and Autoctonal Venezuelan Band llega a las tiendas. En 1996 los venezolanos viajan a Nueva York, dan un par de conciertos en S.O.B.’s y colocan 20 discos en una tienda, gracias a la mediación de Alberto Cabello, su futuro manager. David Byrne, director del sello Luaka Bop, compra uno de esos discos y decide llamar a la banda que, al estar fuera de contrato con EMI, firma por Luaka Bop.

El primer disco para el sello de Byrne en The New Sound of The Venezuelan Gozadera (1997), producido por Andrés Levín, grabado en Caracas y Nueva York, aunque sólo la mitad del sexteto pudo viajar a la gran manzana. A partir de entonces los amigos comienzan sus primeras largas giras, de tal modo que su tercer trabajo de estudio, Arepa 3000: A Journey into Venezuelan Space, con producción de Philip Steir, no llegó hasta el 2000. Fue grabado enteramente en Estados Unidos, periodo en el que los seis compartieron un piso con un solo baño, que denominaron “el baño peludo”. Las nominaciones a los Grammy y a los Grammy Latinos empiezan a dar a conocer al grupo internacionalmente.

Dada la siempre creciente repercusión internacional de su música y las mayores posibilidades de trabajo, el sexteto decide mudarse a Nueva York. Pronto establecen contactos con productores dance, lo que les introduce en el circuito de los remixes. Además, José Luis Pardo, el guitarrista, acude a cada club en el que pinche Louie Vega y, en cuanto puede, se acerca al productor neoyorquino y le dice: “¿Te acuerdas de mi?, soy el venezolano, tengo un grupo chévere y queremos hacer un disco con ustedes”. Finalmente, la insistencia de José Luis da sus frutos y Louie llama para comunicarle que tiene un día libre para acudir a un ensayo de los amigos. Louie escucha a la banda y en sólo 15 minutos les propone producir una canción: si el trabajo en común resultaba satisfactorio producirían un disco juntos. El resultado de esta primera colaboración es el single Bruja, editado en MAW Records: “Antes de terminar la sesión, los managers de Masters at Work hablaban de presupuesto con nuestra disquera, Luaka Bop”. En Enero del 2002 comienzan dos intensas semanas de grabación de su cuarto álbum, The Venezuelan Zinga Son Vol. 1, un trabajo que los miembros de la banda describen así: “fue una experiencia increíble, saber que estás trabajando con la gente que escribe el idioma que tú quieres hablar es demasiado sabroso; la comunicación era perfecta, las referencias musicales eran las mismas. Todo fue muy fluido. Fue delicioso grabar ese disco. Masters At Work nos hablaba siempre de intuición y de feeling, nunca de técnica ni de pulcritud. Las otras dos semanas de mezcla fueron unas clases magistrales de cómo se hace sonar un tema discotequero”. Pero la relación con Louie Vega y Kenny "Dope" González no acabó tras la grabación: participaron en trabajos y remixes de ambos miembros del dúo y fue gracias a ellos que los venezolanos conocieron a otro de sus héroes, Dimitri From Paris. El francés propuso a los amigos la grabación de una canción para su nuevo álbum Cruising Attitude y, a cambio, él produciría un tema para el sexteto. El resultado fueron los temas Paris-Brooklyn, para el disco del francés, y Diablo para The Venezuelan Zinga Son Vol. 1. En el 2005 llega a las tiendas su quinto álbum de estudio, Superpop Venezuela, producido enteramente por Dimitri From Paris, en el que ofrece versiones de los temas pop venezolanos que más le han influido. En el 2008 presenta En una noche tan linda como esta, grabado en directo, seguido, un año después, por el sexto álbum de estudio, Commercial (Nacional). En Noviembre del 2009, Lovemonk publica el single Plastic Woman, en el que figuran remezclas de Boohgaloo Zoo, Recloose y Frank Booker. De Marzo del 2011 data el EP Not So Commercial, editado, como el álbum al que complementa, por Nacional Records.

Fuente: acidjazzhispano.com

jueves, 19 de mayo de 2011

Samba da Bençao by Bebel Gilberto

   
Song: Samba da Bençao 
Artist: Bebel Gilberto
Album:
Tanto Tempo (2002) 
Label: Ziriguiboom


"Hijo de tigre sale pintado", es un dicho popular en esta región del globo llamada Latinoamérica, y Bebel Gilberto es el mejor ejemplo de ello. Hija del genial Joao Gilberto lleva todo un compendio de la historia musical brasileña en la sangre. Pero Bebel no sólo ha continuado divulgando el exótico y pletórico folclor musical de su país, sino que ha recibido toda la influencia de las nuevas corrientes musicales resultantes al combinar la electrónica con los sonidos autóctonos de Brazil en un matrimonio excepcional.

Su voz es delicada y cristalina, románticas de comienzo a fin las letras de las canciones que elige para sus álbumes. Por esto y por muchas razones son innumerables los artistas que buscan grabar su voz dentro de alguna canción, si no pregúntenle a Thievery Corporation, Edu K, o a la leyenda de Nat King Cole, por nombrar algunos, y es que con el último existe un remix muy especial conocido como Brazilian Love Song y recopilado en el álbum Bella Música Vol. 4, joya de la renombrada colección de José Padilla.

Samba da Bençao se ha inmortalizado, no sólo por su suave tempo de bossa nova acompañado de un saxo que suena en el fondo casi como una brisa de playa, sino porque hizo parte de la banda sonora de la película Closer (2004) protagonizada por la bellísima Natalie Portman y Jude Law, entre otros. Los invito a "bebel" lo mejor de la nueva ola de voces de Brazil...

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Bebel Gilberto es una compositora e intérprete de música brasileña, nacida en Brasil en 1966, proveniente de una familia de artistas ya que es hija de Joao Gilberto y Miucha y sobrina de Chico Buarque. En 2000, con la producción de Suba, editó Tanto Tempo, récord de ventas, y en 2004, producido por Marius de Vries, Carlinhos Brown y la misma Gilberto, editó el álbum homónimo, con un sonido más internacional de pop adulto. Sus bellas canciones son a menudo objeto de remixes o reversiones. Trabajó con grandes artistas brasileños e internacionales como Arto lindsay, Towa Tei y Thievery Corporation.

Su música puede definirse dentro de un estilo moderno de bossa nova, influido por la música electrónica.


Fuente: lastfm.es

domingo, 15 de mayo de 2011

Cartwheel (Mirror System Remix) by Tripswitch

 
Song: Cartwheel (Mirror System Remix) 
Artist: Tripswitch 
Album: Circuit Breaker Rewired (2007) 
Label: Dragonfly

"Uno de los álbums chillout más finamente grabados". Así describió psyreviews.com a Circuit Breaker Rewired, álbum debut de Nick Brennan, más conocido en la escena electrónica como Tripswitch. Con un sonido espacial, casi magnético por su gran factura, Cartwheel me pareció un excelente ejemplo de la calidad de música de este artista, productor de otras maravillas electrónicas como Geometry (2010), que muy pronto se reseñará por estos lares.

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sábado, 7 de mayo de 2011

As de Corazones by Chambao


 
Song: As de Corazones 
Artist: Chambao 
Album: Endorfinas en la Mente (2004) 
Label: Sony International

De Málaga, la ciudad andaluza, de allá es esta música que no sabes que trae, simplemente la pruebas una vez y llegas a pensar que te puedes volver adicto a ella. Chambao es el resultado de combinar el flamenco, el chill out y la buena inspiración. Sus letras hablan de la felicidad, el amor, de Dios, de la vida, y La Mari ha sabido como cautivar a un mundo que necesita de su poesía y de su voz mediterránea.

Chambao, cuyo nombre es una voz andaluza que se refiere a una tiendade campaña improvisada para protegerse dela brisa de la tarde en la playa, fue el primer grupo que catalogó su música exclusivamente como flamenco chill, y su estela musical aún hoy continua dejando huella y marcando los corazones de románticos, filósofos, melómanos o personajes que simplemente buscan resguardar su mente de la intolerancia y el desenfreno de las selvas de cemento.

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(¿Qué fue antes?
¿El huevo… o la sonrisa?)

Cuando se desciende hasta lo más profundo de uno mismo, se despierta la realidad del alma… Esto es todo lo qué pasó.

Ahora, niños y niñas, guarden un poco de silencio, pero sólo un poco, Todos los presentes formen un círculo, así estaremos más calentitos. Respiren hondo, muy hondo…. Más hondo… Cierren los ojos, y ahora todos verán la misma imagen: una gallina sonriendo. Y… ¡ZLOPP! Un huevo sale rodando, despacio por entre todos, tiene pintados unos ojitos, con dos minúsculos puntitos, ¿los ven?, ¿no? Claro, he dicho que cierren los ojos, algunas cosas importantes sólo se ven con los ojos bien cerrados. Ahora, oirán una canción.

Es la canción de mi vida.

Un dieciocho de enero del año 1.975, no es que yo lo recuerde, es que así me lo han contado, vine al mundo. El mundo estaba recién parido para mí, lo primero fue el olor, el de mi madre, huele a salitre, como mi tierra, mi hogar fue, es y será ella. Mi refugio, mi “chambao”, mi palacio, mi cueva… de pronto, casi al unísono, ¡AIEE! Se hizo la luz, mucha luz, tanta, que al principio me cegó (y eso que era invierno), pero, “pokito a poko” fui despertando a los colores, “colores nuevos” para mí, aunque pronto serían parte íntima de mi ser.

¿Y el huevo? No lo pierdan de vista… es la clave de todo, ¿lo ven?... ha parado un instante, pero sigue ahí, ahora su movimiento es interior, puede parecer inmóvil, pero sólo está observando, mira el círculo que formamos alrededor y está buscando la salida, la puerta secreta, el hueco perfecto; ¿no notan la vida dentro de él?. Con sus ojitos pintados, dos puntos minúsculos en el universo, ¿no es maravilloso?

De niña, a tientas, braceando torpemente, yo metía la cabeza bajo el agua fría y salada. El sabor del mar es el sabor de la vida. A oscuras, la cabeza bien adentro y los ojos apretados porque sino pican…, se puede sentir la explosión del mundo a través de la sal en los labios de un niño. Misterioso y salado así era el sabor del verano de mi niñez. El verano era largo y ancho, los días eran bosques insondables, llenos de horas y minutos para vivir muy de verdad. En uno de esos veranos amables y lúcidos lo conocí. El “duende del Sur”, al principio, era tímido, se asomaba a mis siestas insomnes como un ratoncito husmeador y travieso. Seguro que mis mayores no lo creerán pero era él el que no me dejaba estar quieta y dejarlos descansar esas largas horas de calor húmedo; era él el que quería jugar al escondite y cuando, casi vencida por la canción perfecta de la chicharra, conseguía apaciguar mi actividad y cerrar unos segundos los ojos: ¡ZAS!, volvía a entrar en escena como un titiritero dando volteretas, llenándolo todo de color y alegría, y me desvelaba, me tomaba de la mano y me ayudaba a “fundirme con el aire”, a “escuchar el silencio” y a “escapar del tiempo y vivir sin miedo”. Los miedos son cadenas estériles y él, el duende, me ayudó con los primeros eslabones.

La primera juventud, “pasa deprisa, pasa que vuela, corre que corre…”. Con el paso de la vida te das cuenta de que la carrera es de fondo y si corres demasiado te tropiezas más de lo necesario, para, casi siempre, llegar al mismo sitio; así que decidí tomármelo con más calma, “qu'es mejó caminá pa ir creciendo”.

¡Les pillé! ¡Dije que cerraran los ojos! Sino no podrán ver la maravillosa metamorfosis: al huevo le han salido unas patitas muy chiquititas, pero fuertes. Ha querido con tanta fuerza, ha deseado con tanta fe… que al final, ha resultado: puede andar, ya no necesita rodar por el suelo para poder moverse; incluso, con un esfuerzo mayor, puede dar pequeños saltos aeróbicos. Pero ¡qué increíble es la fuerza del deseo!

En uno de esos períodos de calma, en un oasis del tiempo, lo supe, me había hecho esa pregunta millones de veces, y al fin hallé la respuesta: “y es que yo canto, porque a mí me gusta cantar”. Desde entonces en las mañanas claras y “traspasadas de azul” me repito a mi misma como una oración: “déjate llevar por las sensaciones, que no ocupen en tu vida malas pasiones”.

¡Eso es, es lo que están pensando! Sí, es el mismo huevo que ha encontrado la forma de salir, sólo tenía que saber dónde mirar, … bueno, ha sido mucho más simple que encontrar la salida, se ha dado cuenta de que el círculo estaba abierto, y una gran sonrisa se le ha dibujado en su carita de nácar.

La canción de mi vida, es el susurro y el roce; es el sol que se mece, son las nubes columpiándose, los árboles abanicando el mar, los jazmines acariciando el suelo; son las estrellas cuchicheando en el azul de la noche más clara. Somos todos y cada uno que amablemente nos hacemos sitio meciéndonos en la brisa de la vida; porque el círculo siempre ha estado abierto, sólo tenemos que desear encontrar nuestro hueco.

Pueden sonreír, es gratis.

Fuente: chambao.es