Stay (In Mood) by Paolo Fedreghini and Marco Bianchi

 

Song: Stay (In Mood)

Artist: Paolo Fedreghini and Marco Bianchi

Album: Several Additional Waves (2006)
Label: Schema Records

El nu-jazz tiene una gran acogida en Italia, de la mano de maestros de la escena jazzística y electrónica como Nicola Conte, Marco Bianchi y Paolo Fedreghini. Muchas de sus canciones se pueden bailar en una disco, como es el caso de Stay (In Mood), un remix del original clásico de Paolo y Marco.

En general, les puedo decir que todo lo que se encuentren a nivel musical que tenga el sello de Schema Records, es de gran factura: Gerardo Frisina, S-Tone Inc., The Dining Rooms, Soulstance, son algunos artistas exclusivos de esta discográfica que se apoderarán de su estéreo y que verán próximamente por estos lares.

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Paolo Fedreghini & Marco Bianchi es un dúo italiano formado en el 2004, continuación de un proyecto anterior llamado Paul & Mark. Su música es una muestra del mejor nu-jazz, el que retoma el sonido del jazz tradicional (en este caso el de los años 50 y 60), y lo reinterpreta en clave de club, incorporando elementos electrónicos. Es una propuesta ideal para los que disfruten con el nu-jazz en el que la parte instrumental, es decir, la jazzística, tiene mayor importancia que la electrónica, que no es más que un discreto elemento. En efecto, aunque las producciones del dúo incorporan beats provenientes de máquinas y algunos temas pueden funcionar en las pistas de baile, se trata, ante todo, de jazz, de buen jazz, o más precisamente, de buen nu-jazz. Para los que disfruten con Povo, The Five Corners Quintet, Nicola Conte o Koop, este grupo será un grato descubrimiento.

Paolo Fedreghini nació en Milán, empezando a escuchar música a los cinco años, influído por la gran pasión de su padre. Estudió dos años de piano, hasta que su interés por el rock y el soul encaminaron sus pasos en otra dirección. Amante del funk y de la música disco, presentó un programa de radio de música negra, conviertiéndose pronto en DJ en otra radio más importante y, progresivamente, en clubs y fiestas privadas. A mediados de los ochenta fundó una banda de funk llamada Flower Funk Band, en la que tocaba el Fender Rhodes, el mismo que ahora se escucha en sus producciones. Ya en los noventa deja la formación para asistir a clases de piano, con un profesor muy especial: Marco Bianchi. Actualmente produce álbumes para Schema Records, es asesor musical del grupo Mediaset, escribe bandas sonoras para cine, documentales y televisión, aplicaciones de audio para exposiciones de pintura, arte y fotografía y sigue ejerciendo de DJ en los clubes más prestigiosos. Antes de formar dúo con Bianchi, editó un vinilo en Milano 2000 (uno de los sellos de Ishtar) que incluía el hit Please don’t leave, un éxito en clubes de todo el mundo.

Marco Bianchi empezó a tocar el órgano que su padre le ragaló a temprana edad, asistiendo pronto a classe de piano privadas para ser posteriormente admitido en el conservatorio Giuseppe Verdi de Milán. Una vez finalizados sus estudios, descubre y aprecia la música estadounidense, especialmente el jazz. Actualmente divide su actividad entre la enseñanza, conciertos y producciones de diverso género, frecuentemente como arreglista. Como pianista reconoce las influencias de Hank Jones, Tommy Flanaghan, Winton Kelly, Red Garland, Bud Powell, Chick Corea, Keith Jarrett y Herbie Hancock, y ha trabajado con importantes artistas italianos e internacionales, como Luca Jurman, Gigi Cifarelli, Renato Daiello, Laura Fedele, Irene Grandi, Tullio De Piscopo, Maxx Furian, Paolo Scocca, Silvio Verdi, Giorgio Di Tullio, Stefano Colnaghi, Laura Pausini, Steve Smith o Thomas Moekle. Antes de su colaboración con Fedreghini ya había editado seis álbumes, tres con un grupo llamado Everest (Everest, Around the time y Dialoghi ed impressioni), dos como Subject (Soggetti a rischio y Subjects) y uno como Furian, Bianchi, Scoca (Japanes).

La discografía del dúo se compone de dos magníficos álbumes, Several people, editado en Schema Records en el 2004, en el que contaron con la participación de los vocalistas Angela Baggi, Claudia Bernath, Annie Evans, Daniel Richards y Ermanno Principe, y Several additional waves, un trabajo en el que el propio dúo reinterpreta, en clave electrónica, los originales del primer disco, que sale a la venta a finales de Enero del 2006.

Fuente: acidjazzhipano.com

Spain by Michel Camilo & Tomatito

 

Song: Spain

Artist: Michel Camilo & Tomatito

Album: Spain (2000)

Label: Lola Records

Lo mejor de dos mundos, dos paraisos separados por un océano que ambos han visto amanecer al compás de sus interpretaciones: República Dominicana y España. La primera, una isla en el Caribe que vio nacer a uno de los más grandes exponentes del jazz e intérpretes de piano de todo el mundo. El segundo, un país inmaculado y desbordante de cultura, historia y por supuesto, música. Aquí nació Tomatito, un prodigio de la nueva escena del flamenco.

Escuchando Spain, descubres como la música es una verdadera conversación con interpelaciones, exclamaciones y descripciones. Sin siquiera un bajo acompañando, las blancas y negras acariciadas maravillosamente se unen con ese rasgueo de las cuerdas de la guitarra que abraza las entrañas; lo demás es silencio.

Sólo disfrute de buen jazz con sabor andaluz, así es Spain, un tema que podría algún día convertirse en himno del país ibérico, al lado de un "Mediterráneo" de Serrat o de un "Volando Voy" del Camarón de la isla.

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A medio camino entre las orillas atlánticas, un cruce musical de ida y vuelta. Tomatito y Michel Camilo. Guitarra y piano. Flamenco y jazz. Ese punto de encuentro transoceánico, que desata apacibles maremotos es, según Michel Camilo, «el sentimiento musical». El pianista dominicano se abrillanta los ojos y ensancha aún más la inmutable sonrisa explicando que «lo me atrajo del flamenco, del jazz y de la música latina es la vibración espiritual común». Y cuenta que al oír flamenco se estremece por «la risa, el llanto, la angustia»… por la explosiva mezcla de sentimientos. Tomatito matiza que «el punto de encuentro no está en la música, sino en los músicos». Para el tocaor almeriense este «viaje», como lo llama Camilo, es un producto salido del «cariño, pues los dos nos sentimos fuertemente conectados». Tomatito, desde su mirada honda, dice que «cada uno hace lo que sabe, tal como lo sabe expresar… no hay más química».

El hallazgo de ese lugar donde se encuentra el gen común al jazz y al flamenco no ha sido casual. Michel Camilo, personaje hablador e inquieto, comenta que Spain «es el resultado de más de cuarenta conciertos previos, que han supuesto un proceso de integración». Una integración entre músicos, músicas e instrumentos. Porque al oír Spain no se sabe dónde empieza la guitarra ni dónde el piano, dónde empieza el flamenco ni dónde termina el jazz. Un arranque por soleás se torna, de súbito, en una zambullida por los jugueteos armónicos de Nueva Orleans, en un sigiloso paseo por palos festeros, en un sueño, en un vuelo que acaba por no entender de lindes.

Y los instrumentos se derriten y modelan en uno solo. En Spain, el piano no asume el rol de cante y la guitarra de acompañamiento, sino que las cuerdas se funden y confunden. Una fusión que, según señala Tomatito, «sale sin esfuerzo, simplemente, por las ganas que tienes de expresar lo que estás sintiendo». Michel Camilo lo ve como el resultado de una «profunda confianza que, lejos de dudar, nos lleva a arriesgar cada vez más. Es una alianza que si planeas mucho, no sale. Simplemente, es cuestión de cariño, de saber que el otro está ahí… es como magia».

El hechizo brota de una marcada admiración mutua que, en los directos, se hace masticable. Durante los solos, el silencioso aguarda su turno embelesado de puro respeto, hasta que el momento del reencuentro regresa. Y, en cada reencuentro, rehacen la grabación con nuevos diálogos musicales. Michel Camilo anota que «siempre que tocamos, hay algo diferente que nos lanzamos el uno al otro».

Pero siempre se retorna al punto de referencia: Spain o España o su música o su cultura. Michel Camilo puntualiza que «el nombre del disco parte de Spain, la pieza de Chick Corea -versionada en el disco-, con la que hemos querido hacer referencia a experimentos previos en esta misma línea». El nombre lo dio Fernando Trueba, el cineasta enamorado del jazz y del flamenco que produjo el trabajo bajo el sello Lola Records. Camilo recuerda que Trueba lo eligió pensando en un «término conocido mundialmente, un título que conecte con todo el mundo, pero dejando claro que sale desde España hacia el mundo».

Pero de esa vuelta al mundo, pasando por Spain, Tomatito dice no esperar nada, «sólo pretendo obtener satisfacciones y aprender. En este mundo, en el que el tiempo te va envejeciendo, lo único que me mantiene joven es la música. Si me estanco, pierdo agilidad mental… necesito seguir aprendiendo para estar vivo».

Fuente: lastfm.es

Cuban Danube by Klazz Brothers & Cuba Percussion

 

Song: Cuban Danube

Artist: Klazz Brothers & Cuban Percussion

Album: Classic Meets Cuba Symphonic Salsa (2006)

Label: Sony BMG Europe

En una de sus giras por todo el mundo, la orquesta filarmónica de Dresden, Alemania, arribó a la afilada isla de Cuba. En pleno Caribe, lejos de esa europa de cuatro estaciones y tan cerca de palmeras, mojitos y mujeres trigueñas sacadas de un calendario que valdría varios cientos de euros, tres músicos de la afamada agrupación se dejaron vencer por la música antillana que les saludaba con percusión y mucho sabor latino.

Fue así como Tobias y Kilian Forster junto con Tim Hahn, formaron los Klazz Brothers, que con sus proyectos musicales seguramente han hecho despotricar a varios Conservatorios alrededor del mundo. Y es que abrirle un nuevo respiradero a temas del repertorio popular clásico, como este Danubio Azul en ritmo de Bolero-Cha, es toda una osadía con resultados maravillosos que, en opinión personal, hablan de la libertad creativa a la que nos exponemos los músicos e instrumentistas. ¿Se pueden imaginar qué sabrosas serían esas coreografías de las fiestas de Quince Años con estos antojos de fiesta cubana...? 

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Imaginen ustedes a Johan Strauss descendiendo de un coche arrastrado por caballos que se detiene ante las blanquísimas, voluptuosas, incitantes playas de Varadero, bajo ese sol nítido, abrasador del caribe, sometido a los vaivenes de la brisa que le llega de un mar multicolor con todas las tonalidades imaginables del lapizlázuli hasta el aguamarina. Primero lanzaría lejos el sombrero de copa, el sacoleva sería inconcebible; la bufanda y las altas botas igualmente desechadas. Entonces su imaginación, sublimada por esa constelación indescriptible de la naturaleza, solo podría escribir notas en compases de dos por cuatro en los que se desatan las sensualidades del son y el bolero montuno, ya que solo al amanecer, junto a las palmeras y la cercana luna volvería a pensar en las tesituras reprimidas de sus valses originales.

Algo similar acontecería con el inquieto Wolfgang Amadeus, correteando feliz por las callejuelas de Trinidad o intrigado frente a las mágicas invocaciones de los babalaos de Guanabacoa. ¿Podría sobrevivir a ese embrujo tropical sin componer un alegre mambo? De Piotr Tchaikovsky cualquiera cosa podría esperarse y hasta del sentimentalmente volátil Johan Von Fiederich Chopin cambiando sus Polonesas por alegres camadas de Cubanas. Este duo de geniales compositores, enfundados en vistosas guayaberas, de vacaciones por el Caribe verían transformarse sus delicados valses junto a fantásticos lagos, en melodías más cercanas a la realidad de los sentimientos humanos que se viven en esta parte del Universo.

La creatividad de todos estos monstruos sagrados: Mendelsohn, Liszt, Bizet, y en especial del genial Juan Sebastián Bach, se rinde ante la fantasía de la naturaleza latinoamericana y se transforma en una cosmogonía melódica de dimensiones desconocidas. Los temas así expresados constituyen la respuesta a los interrogantes que siempre nos hicímos cuando escuchamos a los clásicos de los rítmos cubanos: ¿Qué diría cualquiera de los grandes maestros si supiera lo que hacemos con los violines, el piano, las trompetas y la batería?

Fuente: croniquillas.blogspot.com

Melodía del Río by Rubén González

 
Song: Melodía del Río 
Artist: Rubén González 
Album: Introducing... Rubén González (1997) 
Label: Nonesuch

Siempre he pensado que quien quiera tener un buen referente de la mejor música del planeta debe pasar obligatoriamente por tres sedes: Cuba, Brasil y España. La primera de éstas, es tal vez el país con más talento musical por metro cuadrado en el mundo. Casi que los niños aprenden a tocar un instrumento a la par que aprenden a caminar. Éste fue el caso de Rubén González, que aprendió a tocar el piano en la Escuela de Cienfuegos, que quizó estudiar medicina, pero tuvo que abandonar la carrera por problemas económicos. Pudo haberse convertido en otro Rubinstein o un Liberace caribeño, pero optó por un lugar más honorífico: convertirse en toda una leyenda de la música cubana y pasar a la historia como uno de los más grandes pianistas del siglo XX. El sonido de Rubén es exquisito y sus manos logran acariciar cada tecla, ocultando una artritis que le aquejaba hacía varios años. No dejo de disfrutar esa preciosa Melodía del Río que me recuerda los innumerables y agradables sabores que tiene el bolero, el magistral solo del Quiquiribu Mandinga, y lo rico que es imaginarme tomando un Cuba Libre con Tres Lindas Cubanas mientras paso por un viejo edificio donde se puede leer en letras grandes: EGREM.

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"El más grande solista de piano que he escuchado en mi vida. Una mezcla cubana entre Thelonius Monk y Felix The Cat." (Ry Cooder)

"En marzo visité a Rubén (González) en su casa, más o menos a quince minutos del centro de La Habana. Al llegar, Rubén me sugirió que regresáramos a mi hotel para conversar. Me explicó que la electricidad siempre se va en esa parte de la ciudad a las seis de la tarde los lunes. Sin embargo, yo sospechaba otra cosa, que pude confirmar más tarde: Desde que su piano fue destruido por los comejenes años atrás, no ha podido tener otro". La existencia de un piano en el lobby del hotel donde se alojaba Nigel Williamson, autor de la nota del folleto informativo del disco, era la verdadera razón por la cual González prefería conversar lejos de su casa. "Rubén es un hombre que vive alerta de cualquier piano que pueda pedir por una hora o dos". Esto ocurría cuando, apenas hace unos poco años, el ahora famoso pianista cubano, estaba olvidado en su casa de La Habana, artrítico y con escasas posibilidades de practicar su arte. El álbum Introducing... Rubén González es el primero que éste graba como solista en más de cincuenta años de actividad profesional. Nació en 1919 en Santa Clara. Fue pianista de Arsenio Rodríguez en los años cuarenta en Cuba y más tarde trabajó con Enrique Jorrín. El disco, un instrumental de gran elegancia, se pasea por standards como Cumbanchero, Almendra, Siboney, Tres lindas cubanas... y tres composiciones del propio González. Este es uno de los discos de la trilogía (Buena Vista Social Club y Afro Cuban All Stars la completan) que marca un hito, a finales de siglo, en la música cubana de los años cincuenta, llevada, de la mano de World Circuit, y a través del talento de estos grandes músicos —que parecían condenados a morir en el olvido más absoluto—, a un inesperado éxito comercial. La simpatía y el talento de González se reflejan directamente en este disco. (Entrevista a Rubén González)

Fuente: anapapaya.com

El pianista cubano Rubén González ha vivido en medio de las grandes influencias musicales de este siglo, desde la aparición del son a la salsa y hasta el latin jazz y más. Nacido en 1919, González, ya retirado de su carrera profesional años antes de éste, su CD de debut, el disco fue grabado. Él resurgió en 1996 cuando Worl Circuit aterrizó en Cuba para grabar por varios días. Rubén terminó realizando un emocionante lanzamiento. Este "improvisado" CD fue editado en un día, y su ágil ambientación brilla por sí sola. González interpreta un arcoiris de ritmos cubanos y logra profundas conversaciones con sus músicos: especialmente la percusión y la trompeta solista. --Andrew Bartlett

Fuente: amazon.com

Kiara and El Toro by Bonobo

Song: Kiara

Artist: Bonobo

Album: Black Sands (2010) 

Label: Ninja Tune Records

 

Song: El Toro

Artist: Bonobo

Album: Black Sands (2010)

Label: Ninja Tune Records

Para muchos que se hacen llamar "críticos musicales" o "conocedores", los instrumentos reales y la electrónica no pueden formar un matrimonio ejemplar. Pero la verdad es que no podrían estar más equivocados. Gracias a DJ productores como el británico Simon Green, más conocido como Bonobo, los sonidos eclécticos de violines, chelos, flautas y hasta coros orientales, así como otros protagonistas de occidente hasta oriente, pueden fundirse en escenarios electrónicos con un suave sabor urbano no comercial.

Kiara y El Toro son dos placeres que hacen parte de la última producción de Bonobo titulada Black Sands, que hablan por sí solas de la capacidad de este artista para elaborar atmósferas que parecen evocar una calle en Calcuta, una vitrina del barrio rojo de Amsterdam o una escena underground en New York, eso sí, sin perder un estilo que pocos artistas llegan a alcanzar ni en toda una vida. En otras palabras, un músico para no perder de vista.

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Bonobo es el proyecto musical del inglés Simon Green, prestigioso productor y, desde hace unos años, DJ reclamado en todo el mundo. Su música suele clasificarse como trip-hop downtempo, electrónica chill-out, pero es mucho más que eso. Es la suya una fascinante y cautivadora fusión de elementos muy diversos, la mayor parte provenientes de máquinas, pero dando una sensación extrañamente orgánica. Voces, atmósferas hipnóticas, ambientes jazzy, melodías de pop/rock, uso abundante del sitar, pero también de otros instrumentos como la flauta, el saxo o los teclados: estas son las características principales de los álbumes de Bonobo. A lo largo de su carrera, no obstante, se aprecia una mayor tendencia hacia la instrumentación real (lo que se ha traducido en la creación de una formación estable para las actuaciones en directo en todo el mundo), así como una diversificación de su sonido, aunque siga siendo enormemente personal y reconocible. La de Green es una propuesta que ha obtenido una acogida sorprendentemente favorable, y no sólo por parte de los consumidores habituales de electrónica. Se trata de un pequeño fenómeno comercial que no para de crecer y que lleva camino de convertir a Bonobo en uno de los artistas más conocidos de la escena alternativa.

Fuente: acidjazzhispano.com

Boarding Pass and Wistful Day by Briza

 
Song: Boarding Pass 
Artist: Briza 
Album: Ambient Café (2006) 
Label: Gemini Sound Records
 
Song: Wistful Day 
Artist: Briza 
Album: Ambient Café (2006) 
Label: Gemini Sound Records

Briza esta conformado por David Arkenstone (guitarra, teclados, percusión) y Nicholas Gunn (flauta). Ambient Café es sencillamente un masaje para los oídos y un descanso para la mente y el cuerpo con canciones que lindan entre chill-out y new age.

Categorizado como una agrupación "under 2000 listeners" en la red social musical lastfm, vale la pena escuchar y dejarse llevar por la briza, no se arrepentirán.

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Una Disco llena by Los Amigos Invisibles

Song: Una Disco llena
Artist: Los Amigos Invisibles
Album: The Venezuelan Zinga Son vol. 1 (2004)
Label: Luaka Bop

Realmente, después de leer una reseña sobre Los Amigos Invisibles de la página acidjazz.com, conducida por un melómano de tiempo completo como Santiago Tadeo, son muy pocas las cosas que puedo agregar sobre esta banda, que se ha convertido en una de mis preferidas desde hace tiempo.

"Buenas Noches Mis Amigos Invisibles..." Así empezaba un reconocido presentador su popularísimo programa en la televisión venezolana en los años 80's en donde hablaba de cultura, historia y política. Los Amigos Invisibles es una completa gozadera con buena música. Sus letras no hablan de historia ni de política, los temas preferidos del progenitor del afamado nombre de la banda, más bien invitan a la rumba y el sexo, lo que les ha definido un estilo diferencial, no sólo en Venezuela, en donde ya son un icono, sino en casi todo los países que entienden lo que significa la palabra Culo. Su sonido lo catalogaría como Latin Groove, pero su apego al Funk y a la electrónica es todo un hecho. No hacen rock exclusivamente, tampoco lounge ni jazz, simplemente te van a dar ganas de bailar con una nena muy cerca cuando escuches cualquier canción de mis amigos, Los Invisibles.

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Los Amigos Invisibles es un sexteto venezolano compuesto por Mauricio Arcas (percusión), Julio Briceño (voz), Armando Figueredo (teclados), José Luis Pardo (guitarra), Juan Manuel Roura (batería) y José Rafael Torres (bajo). Su música es una brillante fusión de múltiples estilos: acid jazz, jazz-funk, disco, pop, house, bossa-nova, electrónica, lounge, son cubano... Claro que lo que mejor define su propuesta es el toque latino que imprimen a casi todas sus composiciones y su facilidad para producir temas que invitan al baile: su música puede calificarse, aunque sólo sea una simplificación, como dance latino. De hecho, el grupo nació como una alternativa a la música de baile que predominaba a principios de los 90, emprendiendo “una cruzada por convencer a los dueños de discotecas quebradas que bailar no solo es salsa y merengue y que guitarra eléctrica no es igual a punketo”. En sus más de dos décadas de carrera, la banda venezolana ha efectuado una imparable ascensión que la ha convertido en un referente mundial del acid jazz, en un grupo cuyos trabajos se editan desde Nueva York hasta Japón. Se trata, por tanto, de uno de los conjuntos más interesantes, estimulantes y recomendables en lo que a música negra bailable se refiere.

Los Amigos Invisibles se forma en 1991, “en respuesta a la movida de grupos rockeros y dark” de Venezuela, convirtiéndose en la única banda dance del país. Cuatro años más tarde, Boris Milán, dueño de un estudio en Caracas invita al sexteto a grabar su álbum debut, gracias a la financiación de alguien que prefiere mantenerse en el anonimato. Sin embargo, una vez grabado el disco y un videoclip, el mecenas contrae matrimonio, lo que deja a los venezolanos sin manera de distribuir su primer trabajo. Afortunadamente, gracias a Caplís (bajista de Desorden Público), contactan con EMI Venezuela, que se encarga de la distribución: A Typical and Autoctonal Venezuelan Band llega a las tiendas. En 1996 los venezolanos viajan a Nueva York, dan un par de conciertos en S.O.B.’s y colocan 20 discos en una tienda, gracias a la mediación de Alberto Cabello, su futuro manager. David Byrne, director del sello Luaka Bop, compra uno de esos discos y decide llamar a la banda que, al estar fuera de contrato con EMI, firma por Luaka Bop.

El primer disco para el sello de Byrne en The New Sound of The Venezuelan Gozadera (1997), producido por Andrés Levín, grabado en Caracas y Nueva York, aunque sólo la mitad del sexteto pudo viajar a la gran manzana. A partir de entonces los amigos comienzan sus primeras largas giras, de tal modo que su tercer trabajo de estudio, Arepa 3000: A Journey into Venezuelan Space, con producción de Philip Steir, no llegó hasta el 2000. Fue grabado enteramente en Estados Unidos, periodo en el que los seis compartieron un piso con un solo baño, que denominaron “el baño peludo”. Las nominaciones a los Grammy y a los Grammy Latinos empiezan a dar a conocer al grupo internacionalmente.

Dada la siempre creciente repercusión internacional de su música y las mayores posibilidades de trabajo, el sexteto decide mudarse a Nueva York. Pronto establecen contactos con productores dance, lo que les introduce en el circuito de los remixes. Además, José Luis Pardo, el guitarrista, acude a cada club en el que pinche Louie Vega y, en cuanto puede, se acerca al productor neoyorquino y le dice: “¿Te acuerdas de mi?, soy el venezolano, tengo un grupo chévere y queremos hacer un disco con ustedes”. Finalmente, la insistencia de José Luis da sus frutos y Louie llama para comunicarle que tiene un día libre para acudir a un ensayo de los amigos. Louie escucha a la banda y en sólo 15 minutos les propone producir una canción: si el trabajo en común resultaba satisfactorio producirían un disco juntos. El resultado de esta primera colaboración es el single Bruja, editado en MAW Records: “Antes de terminar la sesión, los managers de Masters at Work hablaban de presupuesto con nuestra disquera, Luaka Bop”. En Enero del 2002 comienzan dos intensas semanas de grabación de su cuarto álbum, The Venezuelan Zinga Son Vol. 1, un trabajo que los miembros de la banda describen así: “fue una experiencia increíble, saber que estás trabajando con la gente que escribe el idioma que tú quieres hablar es demasiado sabroso; la comunicación era perfecta, las referencias musicales eran las mismas. Todo fue muy fluido. Fue delicioso grabar ese disco. Masters At Work nos hablaba siempre de intuición y de feeling, nunca de técnica ni de pulcritud. Las otras dos semanas de mezcla fueron unas clases magistrales de cómo se hace sonar un tema discotequero”. Pero la relación con Louie Vega y Kenny "Dope" González no acabó tras la grabación: participaron en trabajos y remixes de ambos miembros del dúo y fue gracias a ellos que los venezolanos conocieron a otro de sus héroes, Dimitri From Paris. El francés propuso a los amigos la grabación de una canción para su nuevo álbum Cruising Attitude y, a cambio, él produciría un tema para el sexteto. El resultado fueron los temas Paris-Brooklyn, para el disco del francés, y Diablo para The Venezuelan Zinga Son Vol. 1. En el 2005 llega a las tiendas su quinto álbum de estudio, Superpop Venezuela, producido enteramente por Dimitri From Paris, en el que ofrece versiones de los temas pop venezolanos que más le han influido. En el 2008 presenta En una noche tan linda como esta, grabado en directo, seguido, un año después, por el sexto álbum de estudio, Commercial (Nacional). En Noviembre del 2009, Lovemonk publica el single Plastic Woman, en el que figuran remezclas de Boohgaloo Zoo, Recloose y Frank Booker. De Marzo del 2011 data el EP Not So Commercial, editado, como el álbum al que complementa, por Nacional Records.

Fuente: acidjazzhispano.com