El Spa de los Oídos

É isso aí (The Blower's Daughter) by Ana Carolina & Seu Jorge

2011-08-08T11:40:00.000-07:00

Song: É isso aí (The Blower's Daughter)

Artist: Ana Carolina & Seu Jorge
Album: Ana & Jorge ao Vivo (2005)
Label: Sony Music

Ana Carolina

Ana Carolina Sousa (Juiz de Fora, 9 de septiembre de 1974) es una cantante, compositora e instrumentista brasileña. Su influencia musical viene de la cuna -su abuela cantaba en radio, sus tíos-abuelas tocaban percusión, piano, cello y violín. Ana Carolina creció oyendo iconos de la música brasileña como Chico Buarque, João Bosco y Maria Bethânia; en sus preferencias internacionales se destacan Nina Simone, Bjork y Alanis Morissette. Su carrera de cantante la inició en su adolescencia, presentándose en bares de su ciudad natal. Con la finalidad de hacer de la música una profesión, Ana deja el curso de Letras y sigue hacia Río de Janeiro. En un show en lo Mezcla Fina, Luciana de Moraes (hija de Vinícius de Moraes) se encanta con su voz grave y llena de melodía, lo cual permite que suscriba un contrato con la BMG.

Así, en 1999, llega al público de todo Brasil el CD «Ana Carolina». El CD es una verdadera obra de arte, rescata los clásicos antiguos de la MPB («Beatriz», «Alguém me disse» y «Retrato en Branco e Preto» de Chico Buarque) pasa por el Pop de Lulu Santos («Tudo bem») y revela a Ana Carolina como compositora (La Canción tocó en la hora errada, Cerrado, «Armazém» y «O Avesso dos Ponteiros») y también composiciones de Totonho Villeroy (Garganta, Tô saindo), que pasa a ser su gran compañero en composiciones. Fue a través de ese CD que Ana Carolina fue indicada al Grammy Latino.

Durante el proyecto Tom Acústico de 2004, el show entre Ana Carolina y el cantante Seu Jorge rindió un CD y DVD, titulado “Ana e Jorge: Ao Vivo”, que sólo fueron lanzados por la grabadora Sony Music el año siguiente y obtuvo muy buena recepción por el público y críticos musicales. La canción «É isso aí», alcanzó el primer lugar en las radios brasileñas. A partir de agosto de 2006, Ana Carolina pasó a integrar el cuerpo de presentadoras del programa Saia Justa, en el canal GNT. La presencia de la cantante y multi-instrumentista cómo única representante del área musical deja el programa aún más interesante.

A lo largo de su carrera, Ana Carolina ha ganado muchos premios; el más reciente fue el premio Multishow 2006, en las categorías Mejor Cantante y Mejor CD (por el trabajo “Ana e Jorge”).

Fuente: anacarolina.art.br

Seu Jorge

Seu Jorge es un músico, actor y compositor brasileño. Nacido como Jorge Mário da Silva, el surgió de una favela en la ciudad de Belford Roxo en la region Baixada Fluminense del estadio de Estado de Rio de Janeiro . Sus fans lo consideran como un renovador de estilo samba-pop brasileño. Sus trabajos han sido influenciados por las escuelas de samba, los compositores Nelson Cavaquinho y Zeca Pagodinho, entre otros también por el futbolista Romário y el cantante Norteamericano Stevie Wonder.

Como cantante, Seu Jorge («Senor Jorge») ha sido parte de la banda Farofa Carioca, componiendo la mayoría de los temas de su álbum debut Moro no Brasil - 1998. En 2001 fue lanzado Samba Esporte Fino, un álbum pop influenciado por Jorge Ben Jor, Gilberto Gil, y Milton Nascimento. Fue lanzado fuera de Brasil bajo el nombre Carolina in 2003. Su segundo álbum ,Cru («Crudo»), fue aclamado por la crítica y fue lanzado en 2005.

Seu Jorge ha logrado exposición a través de su trabajo como actor y compositor. Ha aparecido en la película Ciudad de Dios, y luego fue el tripulante Pelé Dos Santos en el film de Wes Anderson’ The Life Aquatic with Steve Zissou, para la cual hizo la mayoría de los soundtracks en portugués.

Fuente: lastfm.es

Ana e Jorge ao Vivo fue un trabajo musical excepcional grabado en vivo en la ciudad de Sao Paulo, donde dos artistas provenientes de diferentes géneros, escuelas e influencias musicales dieron lo mejor de sí para experimentar con temas contemporáneos y tradicionales de la música popular brasilera.

Ella, con una voz suigeneris de tonalidad grave que linda entre una Rosana (España) y una Lucha Villa (México). Él, con toda esa mezcla heterogénea de alegria e inspiración artistica que produce el haber nacido en la garganta del país, parece contar historias con esa voz ronca y áspera delineada por el tabaco.

La canción: un tema pop contemporáneo que llevo al canadiense Damien Rice a estar en la boca de muchos jóvenes enamorados alrededor del mundo. "The Blower's Daughter" para el público anglo, un "No puedo dejarte de amar" para nosotros los latinos, y un "É isso aí", para nuestros hermanos del brasil. Diferente lengua, la misma composición, el mismo frenesí...

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Mi Amor and L'étang by Stacey Kent

2011-08-06T17:19:00.000-07:00

Song: Mi Amor
Artist: Stacey Kent
Album: Raconte-moi... (2010)
Label: EMI Music

Song: L'étang
Artist: Stacey Kent
Album: Raconte-moi... (2010)
Label: EMI Music

La voz de Stacey Kent y su forma de cantar las más hermosas canciones de amor, la han convertido en una de las vocalistas más exitosas de los últimos tiempos y una de las joyas del catálogo del prestigioso sello Blue Note. Todo es elegancia y romanticismo en esta cantante americana asentada hace tiempo en Inglaterra, desde una entonación que a veces recuerda a Billie Holiday hasta un fraseo limpio a lo Nat “King” Cole.

Está casada con el saxo tenor Jim Tomlinson y la colaboración artística entre los dos está dando frutos extraordinarios. Su último disco conjunto, The Lyric, ha obtenido el premio al mejor álbum de jazz del año otorgado por la BBC, que se suma a otras distinciones conseguidas anteriormente en Gran Bretaña.

Stacey Kent pertenece a la nueva generación de mujeres que destacan en el panorama del jazz actual. Destaca por su brillante voz y su forma de interpretar: canta con emoción, dando calor a temas tradicionales de jazz con una soberbia dicción, ofreciendo uno de los mejores swings que hemos podido oír en los últimos años. Ha conseguido a lo largo de su carrera varias nominaciones y premios: British Jazz Award (2001), BBC Jazz Award (2002) y Backstage Bistro Award (2004).

Jay Livingston, compositor y ganador de tres Oscars, describió a la cantante de la siguiente manera: “Stacey Kent es toda una revelación. No hay ninguna cantante hoy en día que se pueda comparar a ella. Tiene el estilo de las grandes artistas como Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Canta las canciones como Nat Cole, limpias, claras y con un perfecto fraseo”. El tema preferido de las canciones de Stacey es el romanticismo. Se considera muy romántica y sus canciones, su estilo, sus historias reflejan todo ese sentimiento.

Fuente: lastfm.es

Resulta todo un placer escuchar una voz tan suave, cristalina y romántica como la de Stacey Kent, nacida en E.E.U.U. pero con pasaporte de estrella mundial. Si tú colocas una esmeralda junto a un diamante, éste no va a opacar el brillo de la gema verde, antes las dos van a brillar mucho más. Eso ocurre con el acompañamiento musical detrás de Stacey, liderado por su esposo, el saxofonista Jim Tomlinson.

El amor por francia le llegó a esta diva de cabello corto por parte de su abuelo, quien le enseñó la lengua romance con la que nos deleita en Raconte-Moi... Todo un sueño cumplido para ella, quien en varias entrevistas ha afirmado que la idea de grabar un disco completamente en francés le daba vueltas desde hacia mucho tiempo.

Todavía recuerdo esa mañana cuando Julio Sánchez Cristo entrevistaba a Stacey Kent, desconocida para mí en ese entonces. Ahora sé que una voz puede enamorar... Por eso , aquí les dejo estas dos joyas de una cantante más bien poco conocida en estas latitudes, esa mujer con cara de adolescente que se esconde tras flores blancas desde un balcon del Hotel de Crillon en Paris. Merci beaucoup, Madame.

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I know by Gipsy Kings

2011-07-25T21:11:00.001-07:00

Song: I Know
Artist: Gipsy Kings
Album: Rare & Unplugged (2004)
Label: Air Music And Media Sales Ltd

Los Gipsy Kings son hijos de emigrantes españoles en Francia. El padre de la mitad de la formación es José Reyes, cantante flamenco que hizo sus pinitos en los sesenta. Antes de eso se llamaban Los Reyes, nombre con el que grabaron al menos un disco. Ya como Gipsy Kings se hicieron famosos en los tardíos 80 y los 90, especialmente con su album «Mosaique», que contenía canciones propias y versiones de la canción popular como «Volare».

Su éxito masivo a base de la mezcla de pop y flamenco sorprendió en España y demostró una vez más que en este país muchas veces se cumple aquello de «nadie es profeta en su tierra»; ya que se produjo en un momento el el cual el flamenco fusión estaba arrinconando a artistas de culto como Pata Negra o Triana, aun habiendo habido antecedentes populares años atrás, especialmente en el mudo de la rumba como Los Chichos, Los Chunguitos, Rumba 3…

Pero el gran exito de esta banda no es en España donde son prácticamente desconocidos, y donde no han venido nunca a tocar, sino en el resto del mundo, especialmente en Estados Unidos y Europa.

Fuente: lastfm.es

Conocí a los Gipsy Kings en la sala de mi casa estando muy pequeño, cuando mis padres llegaron con un disco negro con varios tipos en la portada, un par de guitarras y una letra roja alargada en donde se podía leer el nombre de la agrupación. Este álbum homónimo se convertiría en una joya de la música española con temas clásicos como Djobi Djoba, Quiero Saber, Bamboleo o esa exquisita versión de A mi Manera (My Way), sin contar los instrumentales monumentales (Faena, Moorea).

Con el pasar de los años descubrí que ese LP de pasta negra que adornaba la biblioteca de mi casa a comienzos de los 90's marcó una línea muy profunda para los españoles, pues sus intocables palos flamencos por primera vez se veían "transgredidos" por los nuevos ritmos como la rumba latina y el pop, éste último bastante popular por esos días. Los puristas y más tradicionales no se hicieron esperar con sus críticas hacia el grupo, pero la verdad todo el globo los recibía con los brazos abiertos mientras sostenían una copa de sangría en la mano.

Ya he hablado con anterioridad sobre el placer que me produce la evolución natural de los sonidos propios de las regiones del mundo, son un puente hacia otras culturas y nuevas generaciones, lo que se convierte en un efecto multiplicador para la música en sí misma. Estoy convencido que Armando Manzanero, tal vez el mejor compositor romántico de latinoamérica, recibió con beneplácito esta hermosa adaptación flamenca de su tema "Mía", titulada "I Know". I Know that you will love it.

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Fly Love by Jamie Foxx

2011-07-12T10:07:00.001-07:00

Song: Fly Love
Artist: Jamie Foxx
Album: Rio (OST) (2011)
Label: Will I am

Eric Marlon Bishop (n. Terrell, Texas, EE.UU, 13 de diciembre de 1967), más conocido como Jamie Foxx, es un actor y cantante de R&B estadounidense. Tras el divorcio de sus padres, fue adoptado por sus abuelos a la edad de 7 meses. Dice que tuvo una infancia rígida en los Boy Scouts y el coro de la iglesia. Estudió música en la universidad. Publicó un álbum musical en 1994, Peep This, y cantó todas las canciones de su película Un domingo cualquiera (1999). Su vida cambió en 1989 cuando, gracias a una amiga, empezó a actuar en el Club de la Comedia. A partir de entonces, fue contratado en varias series de televisión hasta que consiguió tener la suya propia. Tiene una hija, Corrine, nacida en 1995, que vive con su madre.

Comenzó tocando el piano a una edad muy temprana, y posteriormente asisitió a clases de piano clásico en la universidad. En 1994, grabó su primer álbum bajo su propio sello discográfico titulado Peep This, con el que obtuvo poco éxito comercial. En 2001, presentó los MTV Video Music Awards. Se dio a conocer al público musical con su colaboración en el single «Slow Jamz» de Twista con Kanye West. Esta canción se situó #1 en la lista de singles Billboard Hot 100 y #3 en el Reino Unido. Su segunda aparición fue en el éxito de Kanye West «Gold Digger», número uno en la Hot 100 durante diez semanas. En 2005, colaboró en el tema «Georgia» con Ludacris y Field Mob. La canción sampleaba al «Georgia on My Mind» de Ray Charles.

Durante los Grammy de 2005, Foxx cantó el «Georgia on My Mind» en directo con Alicia Keys y Quincy Jones en tributo al fallecido Ray Charles. Foxx recibió una nominación para los Grammy de 2006 por «Mejor Actuación Vocal Masculina de R&B» («Creepin»). Unpredictable es el segundo álbum de estudio de Jamie. Vendió en la primera semana 598.00 copias, situándose en la segunda como número uno en la lista de Billboard de álbumes pop (en la segunda semana vendió 200.000 copias). En el Reino Unido, el álbum llegó al puesto noveno.

Foxx se convirtió en el cuarto artista en recibir un Oscar (por su papel como Charles en la película Ray) y colocar un álbum en lo más alto (los otros tres en lograr esta hazaña son Frank Sinatra, Bing Crosby y Barbra Streisand).

Fuente: lastfm.es

Dos aves azules de una misma especie en extinción coquetean en el techo de un tranvia mientras sus amigos les juegan bromas y los acompañan cantando una suave bossa nova por las calles de Rio de Janeiro. Al tiempo que el vehículo pasa bajo los arboles, de estos se desprenden flores de color rosa y violeta que enmarcan esta mágica escena.

Seguramente muchos recuerdan estos minutos de la película animada "Rio", y sí, yo también quise averiguar quién cantaba en ese momento. Vaya sorpresa al encontrarme con que era la misma persona que le dio vida al genial Ray Charles en la afamada película "Ray". Y es que aquí Jamie Foxx sorprende mostrando una faceta escondida tras las bambalinas del R&B, género que abraza el jazz por instantes, y ha sido su carta de presentación musical.

Una canción para dedicar, porque no creo que se vayan a quedar con las ganas de conocer la letra completa... He aquí un fragmento:

Realmente no estaba pensando, no estaba buscando , no buscaba una respuesta
A la luz de la luna
Cuando vi tu rostro
Te vi mirándome
Te vi alcanzando el máximo bajo los rayos de luna
A través de las palmeras
Balanceándose en la brisa
Se que estoy sintiendo mucho más que nunca
Y por eso te estoy dando mas de lo que pensé que podía dar
No se como sucedió
No se por qué, pero realmente no necesitas una razón
Cuando brillan las estrellas...

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Urban Night (feat. Stefano di Battista) by Gabin

2011-07-11T15:43:00.000-07:00

Song: Urban Night (feat. Stefano di Battista)
Artist: Gabin
Album: Time to Relax Vol. 1 (2002)
Label: Astralwerks

Integrado por los italianos, Filippo Clary y Max Bottini, la música de Gabin es fundamentalmente bailable. Si bien tienen un toque de electro-jazz y jazz-house, sus temas gozan de un sonido adictivo y pegajoso, disfrutado por un grupo bastante heterogéneo en la pista. Alegría, buena onda y una sensación de bienestar, quedan en evidencia en Into My Soul (Featuring Dee Dee Bridgewater).

Gabin incluye canciones que destilan melancolía, y un sabor de antaño combinado con lo mejor de la electrónica contemporánea. La mixtura entre Clary, afamado Dj de Roma, experto en música de baile y chill-out- y Bottini - prestigioso intérprete del contrabajo- da como resultado una de las propuestas más estimulantes del electro-jazz. Según Max, “era la primera vez que componíamos algo sin pensar en que tenía que ser comercial o popular, sin pensar en ningún mercado. Lo hicimos simplemente por diversión y por amor a la música, que ha sido siempre nuestra vida. Gabin fue lo que surgió”. Parte de este éxito se debió a uno de los singles, Doo Uap, Doo Uap, Doo Uap, un tema de jazz-house que llegó a ser el tercero más vendido de Italia. Este fabuloso tema, uno de los mejores de electro-jazz jamás compuestos, además de utilizarse en numerosos anuncios y sonar frecuentemente en clubes y en la radio, atrajo la atención de numerosos oyentes, que se interesaron por la música de este excelente dueto italiano.

Por su parte, Stefano di Battista, nacido el 14 de Febrero de 1969, es un saxofonista (soprano y alto) de jazz italiano. Nació en Roma y empezó a tocar a los trece años con sus amigos. Empezó a estar interesado en el Jazz al escuchar Art Pepper. En Italia, ha recibido orientación de Massimo Urbani. Stefano ha participado en una gira con Elvin Jones Jazz Machine.

Fuente: lastfm.es

Quién no ha caminado por la noche en la ciudad y se ha dejado seducir por la nostalgia de un amor pasado, con un viento acariciando el rostro y una luna de locos en el firmamento. Si tal escenario tuviera su banda sonora, esta sería muy seguramente Urban Night, en donde el dueto italiano Gabin con la colaboración del magnífico saxofón de otro italiano, Stefano di Battista, logran alcanzar los lugares más recónditos de nuestra mente.

La interpretación de Stefano es simplemente exquisita y cautivadora, engrandecida en el fondo por un contrabajo, unas delicadas notas de piano que de cuando en cuando se dejan disfrutar y un grupo de efectos digitales propios del ambient.

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Whispers in the Moonlight by Omar

2011-07-06T22:46:00.000-07:00

Song: Whispers in the Moonlight
Artist: Omar
Album: iRelax: In Traffic (2007)
Label: Real Music

Omar, cuyo nombre completo es Omar Akram, es un artista hijo de un diplomático de las Naciones Unidas, atributo que le permitió desde muy niño conocer y vivir en países tan exóticos y disímiles como Afganistán, Francia, Cuba y República Checa. Fue considerado a los 14 años como un prodigio del piano, al tiempo que se sumergía en la música de Jean Michelle Jarre, Kitaro y Vangelis, entre otros artistas que configuran ese periplo musical llamado new age, quienes sin duda fueron influencias importantes para el sonido de este "creador de sonidos".

Me cautiva de Whispers in the Moonlight la forma como se fusiona el piano, la guitarra y la flauta de pan en un ambiente sonoro mediterráneo con asomos de new flamenco, que por momentos me recuerdan a los acompañamientos de Ottmar Liebert, pero siempre conservando la delicadeza en la melodía y los arpegios característica de la música new age, eso que nos hace buscarla entre los arbustos o en medio de las estrellas. Podrán llamarla "música ligera" o lo-fi, pero seguiré pregonando grandes cosas sobre la música new age, sobretodo que ayuda mucho en ese intento incesante de encauzar los pensamientos hacia el lugar de los sueños.

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Lift Up by Soulstance

2011-06-23T13:20:00.000-07:00

Song: Lift Up
Artist: Soulstance
Album: Modern sounds from Italy (2003)
Label: Schema Records

Soulstance es un proyecto de los hermanos Enzo (contrabajo electrónico y acústico, flauta, guitarra, teclados y programación) y Gianni Lo Greco (batería y percusión), dos nombres fundamentales de la escena nu-jazz italiana, ligados al sello Schema Records, y que quizá conozcas por sus proyectos Quintetto Lo Greco y Quartetto Lo Greco. Su música es una fusión de jazz, soul, funk, r&b, break beats, easy listening, lounge, las bandas sonoras de los 60, bossa nova, samba y electrónica. Su propuesta consiste en fusionar el jazz con lo que se les antoje, pero siempre con brillantes resultados. Es un proyecto perfecto para los que quieran introducirse en el jazz (o en el nu-jazz con más sabor a jazz), porque sus álbumes son muy accesibles y muy agradables de escuchar, incluso con ciertos temas aptos para los clubs.

Animados por Luciano Cantone, uno de los directores y creadores del sello italiano Schema Records, debutaron con el álbum En Route, en 1999, cuyo muy positivo recibimiento debió de animarles, porque se metieron de nuevo en el estudio para tener listo su segundo trabajo, Act On, sólo un año después. En el 2003 llegaba Life Size, mientras que su cuarto disco, Lead The Way, se edita en Mayo del 2006. A finales del 2009, el dúo presentó un nuevo proyecto, Milano Jazz Dance Combo.

Fuente: acidjazzhispano.com

Siguiendo con el nu-jazz, les traigo un tema que hace parte de mi gran lista de favoritos. Lift Up inicia con un suave toque de swing al mejor estilo de los años 60's y con toda su magia en la escobilla y el vibráfono, mientras se va descubriendo una trompeta que parece sacada de una película de James Bond o de una banda sonora de Morricone. Poco después el tema acelera los beats para introducirse en una atmósfera lounge totalmente urbana en la que una sordina se convierte en protagonista con deliciosas improvisaciones. En fin, pura poesía de estudio musical con el sello de Schema Records. Disfrútenlo... Enjoy it... Buon Divertimento...

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Stay (In Mood) by Paolo Fedreghini and Marco Bianchi

2011-06-20T20:27:00.000-07:00

Song: Stay (In Mood)

Artist: Paolo Fedreghini and Marco Bianchi

Album: Several Additional Waves (2006)
Label: Schema Records

Paolo Fedreghini & Marco Bianchi es un dúo italiano formado en el 2004, continuación de un proyecto anterior llamado Paul & Mark. Su música es una muestra del mejor nu-jazz, el que retoma el sonido del jazz tradicional (en este caso el de los años 50 y 60), y lo reinterpreta en clave de club, incorporando elementos electrónicos. Es una propuesta ideal para los que disfruten con el nu-jazz en el que la parte instrumental, es decir, la jazzística, tiene mayor importancia que la electrónica, que no es más que un discreto elemento. En efecto, aunque las producciones del dúo incorporan beats provenientes de máquinas y algunos temas pueden funcionar en las pistas de baile, se trata, ante todo, de jazz, de buen jazz, o más precisamente, de buen nu-jazz. Para los que disfruten con Povo, The Five Corners Quintet, Nicola Conte o Koop, este grupo será un grato descubrimiento.

Paolo Fedreghini nació en Milán, empezando a escuchar música a los cinco años, influído por la gran pasión de su padre. Estudió dos años de piano, hasta que su interés por el rock y el soul encaminaron sus pasos en otra dirección. Amante del funk y de la música disco, presentó un programa de radio de música negra, conviertiéndose pronto en DJ en otra radio más importante y, progresivamente, en clubs y fiestas privadas. A mediados de los ochenta fundó una banda de funk llamada Flower Funk Band, en la que tocaba el Fender Rhodes, el mismo que ahora se escucha en sus producciones. Ya en los noventa deja la formación para asistir a clases de piano, con un profesor muy especial: Marco Bianchi. Actualmente produce álbumes para Schema Records, es asesor musical del grupo Mediaset, escribe bandas sonoras para cine, documentales y televisión, aplicaciones de audio para exposiciones de pintura, arte y fotografía y sigue ejerciendo de DJ en los clubes más prestigiosos. Antes de formar dúo con Bianchi, editó un vinilo en Milano 2000 (uno de los sellos de Ishtar) que incluía el hit Please don’t leave, un éxito en clubes de todo el mundo.

Marco Bianchi empezó a tocar el órgano que su padre le ragaló a temprana edad, asistiendo pronto a classe de piano privadas para ser posteriormente admitido en el conservatorio Giuseppe Verdi de Milán. Una vez finalizados sus estudios, descubre y aprecia la música estadounidense, especialmente el jazz. Actualmente divide su actividad entre la enseñanza, conciertos y producciones de diverso género, frecuentemente como arreglista. Como pianista reconoce las influencias de Hank Jones, Tommy Flanaghan, Winton Kelly, Red Garland, Bud Powell, Chick Corea, Keith Jarrett y Herbie Hancock, y ha trabajado con importantes artistas italianos e internacionales, como Luca Jurman, Gigi Cifarelli, Renato Daiello, Laura Fedele, Irene Grandi, Tullio De Piscopo, Maxx Furian, Paolo Scocca, Silvio Verdi, Giorgio Di Tullio, Stefano Colnaghi, Laura Pausini, Steve Smith o Thomas Moekle. Antes de su colaboración con Fedreghini ya había editado seis álbumes, tres con un grupo llamado Everest (Everest, Around the time y Dialoghi ed impressioni), dos como Subject (Soggetti a rischio y Subjects) y uno como Furian, Bianchi, Scoca (Japanes).

La discografía del dúo se compone de dos magníficos álbumes, Several people, editado en Schema Records en el 2004, en el que contaron con la participación de los vocalistas Angela Baggi, Claudia Bernath, Annie Evans, Daniel Richards y Ermanno Principe, y Several additional waves, un trabajo en el que el propio dúo reinterpreta, en clave electrónica, los originales del primer disco, que sale a la venta a finales de Enero del 2006.

Fuente: acidjazzhipano.com

El nu-jazz tiene una gran acogida en Italia, de la mano de maestros de la escena jazzística y electrónica como Nicola Conte, Marco Bianchi y Paolo Fedreghini. Muchas de sus canciones se pueden bailar en una disco, como es el caso de Stay (In Mood), un remix del original clásico de Paolo y Marco.

En general, les puedo decir que todo lo que se encuentren a nivel musical que tenga el sello de Schema Records, es de gran factura: Gerardo Frisina, S-Tone Inc., The Dining Rooms, Soulstance, son algunos artistas exclusivos de esta discográfica que se apoderarán de su estéreo y que verán próximamente por estos lares.

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Spain by Michel Camilo & Tomatito

2011-06-14T16:16:00.000-07:00

Song: Spain
Artist: Michel Camilo & Tomatito
Album: Spain (2000)
Label: Lola Records

A medio camino entre las orillas atlánticas, un cruce musical de ida y vuelta. Tomatito y Michel Camilo. Guitarra y piano. Flamenco y jazz. Ese punto de encuentro transoceánico, que desata apacibles maremotos es, según Michel Camilo, «el sentimiento musical». El pianista dominicano se abrillanta los ojos y ensancha aún más la inmutable sonrisa explicando que «lo me atrajo del flamenco, del jazz y de la música latina es la vibración espiritual común». Y cuenta que al oír flamenco se estremece por «la risa, el llanto, la angustia»… por la explosiva mezcla de sentimientos. Tomatito matiza que «el punto de encuentro no está en la música, sino en los músicos». Para el tocaor almeriense este «viaje», como lo llama Camilo, es un producto salido del «cariño, pues los dos nos sentimos fuertemente conectados». Tomatito, desde su mirada honda, dice que «cada uno hace lo que sabe, tal como lo sabe expresar… no hay más química».

El hallazgo de ese lugar donde se encuentra el gen común al jazz y al flamenco no ha sido casual. Michel Camilo, personaje hablador e inquieto, comenta que Spain «es el resultado de más de cuarenta conciertos previos, que han supuesto un proceso de integración». Una integración entre músicos, músicas e instrumentos. Porque al oír Spain no se sabe dónde empieza la guitarra ni dónde el piano, dónde empieza el flamenco ni dónde termina el jazz. Un arranque por soleás se torna, de súbito, en una zambullida por los jugueteos armónicos de Nueva Orleans, en un sigiloso paseo por palos festeros, en un sueño, en un vuelo que acaba por no entender de lindes.

Y los instrumentos se derriten y modelan en uno solo. En Spain, el piano no asume el rol de cante y la guitarra de acompañamiento, sino que las cuerdas se funden y confunden. Una fusión que, según señala Tomatito, «sale sin esfuerzo, simplemente, por las ganas que tienes de expresar lo que estás sintiendo». Michel Camilo lo ve como el resultado de una «profunda confianza que, lejos de dudar, nos lleva a arriesgar cada vez más. Es una alianza que si planeas mucho, no sale. Simplemente, es cuestión de cariño, de saber que el otro está ahí… es como magia».

El hechizo brota de una marcada admiración mutua que, en los directos, se hace masticable. Durante los solos, el silencioso aguarda su turno embelesado de puro respeto, hasta que el momento del reencuentro regresa. Y, en cada reencuentro, rehacen la grabación con nuevos diálogos musicales. Michel Camilo anota que «siempre que tocamos, hay algo diferente que nos lanzamos el uno al otro».

Pero siempre se retorna al punto de referencia: Spain o España o su música o su cultura. Michel Camilo puntualiza que «el nombre del disco parte de Spain, la pieza de Chick Corea -versionada en el disco-, con la que hemos querido hacer referencia a experimentos previos en esta misma línea». El nombre lo dio Fernando Trueba, el cineasta enamorado del jazz y del flamenco que produjo el trabajo bajo el sello Lola Records. Camilo recuerda que Trueba lo eligió pensando en un «término conocido mundialmente, un título que conecte con todo el mundo, pero dejando claro que sale desde España hacia el mundo».

Pero de esa vuelta al mundo, pasando por Spain, Tomatito dice no esperar nada, «sólo pretendo obtener satisfacciones y aprender. En este mundo, en el que el tiempo te va envejeciendo, lo único que me mantiene joven es la música. Si me estanco, pierdo agilidad mental… necesito seguir aprendiendo para estar vivo».

Fuente: lastfm.es

Lo mejor de dos mundos, dos paraisos separados por un océano que ambos han visto amaneer al compás de sus interpretaciones: República Dominicana y España. La primera, una isla en el Caribe que vio nacer a uno de los más grandes exponentes del jazz e intérpretes de piano de todo el mundo. El segundo, un país inmaculado y desbordante de cultura, historia y por supuesto, música. Aquí nació Tomatito, un prodigio de la nueva escena del flamenco.

Escuchando Spain, descubres como la música es una verdadera conversación con interpelaciones, exclamaciones y descripciones. Sin siquiera un bajo acompañando, las blancas y negras acariciadas maravillosamente se unen con ese rasgueo de las cuerdas de la guitarra que abraza las entrañas; lo demás es silencio.

Sólo disfrute de buen jazz con sabor andaluz, así es Spain, un tema que podría algún día convertirse en himno del país ibérico, al lado de un "Mediterráneo" de Serrat o de un "Volando Voy" del Camarón de la isla.

spadelosoidos.blogspot.com

Cuban Danube by Klazz Brothers & Cuba Percussion

2011-06-10T12:47:00.000-07:00

Song: Cuban Danube
Artist: Klazz Brothers & Cuban Percussion
Album: Classic Meets Cuba Symphonic Salsa (2006)
Label: Sony BMG Europe

Imaginen ustedes a Johan Strauss descendiendo de un coche arrastrado por caballos que se detiene ante las blanquísimas, voluptuosas, incitantes playas de Varadero, bajo ese sol nítido, abrasador del caribe, sometido a los vaivenes de la brisa que le llega de un mar multicolor con todas las tonalidades imaginables del lapizlázuli hasta el aguamarina. Primero lanzaría lejos el sombrero de copa, el sacoleva sería inconcebible; la bufanda y las altas botas igualmente desechadas. Entonces su imaginación, sublimada por esa constelación indescriptible de la naturaleza, solo podría escribir notas en compases de dos por cuatro en los que se desatan las sensualidades del son y el bolero montuno, ya que solo al amanecer, junto a las palmeras y la cercana luna volvería a pensar en las tesituras reprimidas de sus valses originales.

Algo similar acontecería con el inquieto Wolfgang Amadeus, correteando feliz por las callejuelas de Trinidad o intrigado frente a las mágicas invocaciones de los babalaos de Guanabacoa. ¿Podría sobrevivir a ese embrujo tropical sin componer un alegre mambo? De Piotr Tchaikovsky cualquiera cosa podría esperarse y hasta del sentimentalmente volátil Johan Von Fiederich Chopin cambiando sus Polonesas por alegres camadas de Cubanas. Este duo de geniales compositores, enfundados en vistosas guayaberas, de vacaciones por el Caribe verían transformarse sus delicados valses junto a fantásticos lagos, en melodías más cercanas a la realidad de los sentimientos humanos que se viven en esta parte del Universo.

La creatividad de todos estos monstruos sagrados: Mendelsohn, Liszt, Bizet, y en especial del genial Juan Sebastián Bach, se rinde ante la fantasía de la naturaleza latinoamericana y se transforma en una cosmogonía melódica de dimensiones desconocidas. Los temas así expresados constituyen la respuesta a los interrogantes que siempre nos hicímos cuando escuchamos a los clásicos de los rítmos cubanos: ¿Qué diría cualquiera de los grandes maestros si supiera lo que hacemos con los violines, el piano, las trompetas y la batería?

Fuente: croniquillas.blogspot.com

En una de sus giras por todo el mundo, la orquesta filarmónica de Dresden, Alemania, arribó a la afilada isla de Cuba. En pleno Caribe, lejos de esa europa de cuatro estaciones y tan cerca de palmeras, mojitos y mujeres trigueñas sacadas de un calendario que valdría varios cientos de euros, tres músicos de la afamada agrupación se dejaron vencer por la música antillana que les saludaba con percusión y mucho sabor latino.

Fue así como Tobias y Kilian Forster junto con Tim Hahn, formaron los Klazz Brothers, que con sus proyectos musicales seguramente han hecho despotricar a varios Conservatorios alrededor del mundo. Y es que abrirle un nuevo respiradero a temas del repertorio popular clásico, como este Danubio Azul en ritmo de Bolero-Cha, es toda una osadía con resultados maravillosos que, en opinión personal, hablan de la libertad creativa a la que nos exponemos los músicos e instrumentistas. ¿Se pueden imaginar qué sabrosas serían esas coreografías de las fiestas de Quince Años con estos antojos de fiesta cubana...?

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Melodía del Río by Rubén González

2011-06-08T21:06:00.000-07:00

Song: Melodía del Río

Artist: Rubén González
Album: Introducing... Rubén González (1997)
Label: Nonesuch

"El más grande solista de piano que he escuchado en mi vida. Una mezcla cubana entre Thelonius Monk y Felix The Cat." (Ry Cooder)

"En marzo visité a Rubén (González) en su casa, más o menos a quince minutos del centro de La Habana. Al llegar, Rubén me sugirió que regresáramos a mi hotel para conversar. Me explicó que la electricidad siempre se va en esa parte de la ciudad a las seis de la tarde los lunes. Sin embargo, yo sospechaba otra cosa, que pude confirmar más tarde: Desde que su piano fue destruido por los comejenes años atrás, no ha podido tener otro". La existencia de un piano en el lobby del hotel donde se alojaba Nigel Williamson, autor de la nota del folleto informativo del disco, era la verdadera razón por la cual González prefería conversar lejos de su casa. "Rubén es un hombre que vive alerta de cualquier piano que pueda pedir por una hora o dos". Esto ocurría cuando, apenas hace unos poco años, el ahora famoso pianista cubano, estaba olvidado en su casa de La Habana, artrítico y con escasas posibilidades de practicar su arte. El álbum Introducing... Rubén González es el primero que éste graba como solista en más de cincuenta años de actividad profesional. Nació en 1919 en Santa Clara. Fue pianista de Arsenio Rodríguez en los años cuarenta en Cuba y más tarde trabajó con Enrique Jorrín. El disco, un instrumental de gran elegancia, se pasea por standards como Cumbanchero, Almendra, Siboney, Tres lindas cubanas... y tres composiciones del propio González. Este es uno de los discos de la trilogía (Buena Vista Social Club y Afro Cuban All Stars la completan) que marca un hito, a finales de siglo, en la música cubana de los años cincuenta, llevada, de la mano de World Circuit, y a través del talento de estos grandes músicos —que parecían condenados a morir en el olvido más absoluto—, a un inesperado éxito comercial. La simpatía y el talento de González se reflejan directamente en este disco. (Entrevista a Rubén González)

Fuente: anapapaya.com

El pianista cubano Rubén González ha vivido en medio de las grandes influencias musicales de este siglo, desde la aparición del son a la salsa y hasta el latin jazz y más. Nacido en 1919, González, ya retirado de su carrera profesional años antes de éste, su CD de debut, el disco fue grabado. Él resurgió en 1996 cuando Worl Circuit aterrizó en Cuba para grabar por varios días. Rubén terminó realizando un emocionante lanzamiento. Este "improvisado" CD fue editado en un día, y su ágil ambientación brilla por sí sola. González interpreta un arcoiris de ritmos cubanos y logra profundas conversaciones con sus músicos: especialmente la percusión y la trompeta solista. --Andrew Bartlett

Fuente: amazon.com

Siempre he pensado que quien quiera tener un buen referente de la mejor música del planeta debe pasar obligatoriamente por tres sedes: Cuba, Brasil y España. La primera de éstas, es tal vez el país con más talento musical por metro cuadrado en el mundo. Casi que los niños aprenden a tocar un instrumento a la par que aprenden a caminar. Éste fue el caso de Rubén González, que aprendió a tocar el piano en la Escuela de Cienfuegos, que quizó estudiar medicina, pero tuvo que abandonar la carrera por problemas económicos. Pudo haberse convertido en otro Rubinstein o un Liberace caribeño, pero optó por un lugar más honorífico: convertirse en toda una leyenda de la música cubana y pasar a la historia como uno de los más grandes pianistas del siglo XX. El sonido de Rubén es exquisito y sus manos logran acariciar cada tecla, ocultando una artritis que le aquejaba hacía varios años. No dejo de disfrutar esa preciosa Melodía del Río que me recuerda los innumerables y agradables sabores que tiene el bolero, el magistral solo del Quiquiribu Mandinga, y lo rico que es imaginarme tomando un Cuba Libre con Tres Lindas Cubanas mientras paso por un viejo edificio donde se puede leer en letras grandes: EGREM.

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Kiara and El Toro by Bonobo

2011-06-08T15:36:00.001-07:00

Song: Kiara
Artist: Bonobo
Album: Black Sands (2010)
Label: Ninja Tune Records

Song: El Toro
Artist: Bonobo
Album: Black Sands (2010)
Label: Ninja Tune Records

Bonobo es el proyecto musical del inglés Simon Green, prestigioso productor y, desde hace unos años, DJ reclamado en todo el mundo. Su música suele clasificarse como trip-hop downtempo, electrónica chill-out, pero es mucho más que eso. Es la suya una fascinante y cautivadora fusión de elementos muy diversos, la mayor parte provenientes de máquinas, pero dando una sensación extrañamente orgánica. Voces, atmósferas hipnóticas, ambientes jazzy, melodías de pop/rock, uso abundante del sitar, pero también de otros instrumentos como la flauta, el saxo o los teclados: estas son las características principales de los álbumes de Bonobo. A lo largo de su carrera, no obstante, se aprecia una mayor tendencia hacia la instrumentación real (lo que se ha traducido en la creación de una formación estable para las actuaciones en directo en todo el mundo), así como una diversificación de su sonido, aunque siga siendo enormemente personal y reconocible. La de Green es una propuesta que ha obtenido una acogida sorprendentemente favorable, y no sólo por parte de los consumidores habituales de electrónica. Se trata de un pequeño fenómeno comercial que no para de crecer y que lleva camino de convertir a Bonobo en uno de los artistas más conocidos de la escena alternativa.

Fuente: acidjazzhispano.com

Para muchos que se hacen llamar "críticos musicales" o "conocedores", los instrumentos reales y la electrónica no pueden formar un matrimonio ejemplar. Pero la verdad es que no podrían estar más equivocados. Gracias a DJ productores como el británico Simon Green, más conocido como Bonobo, los sonidos eclécticos de violines, chelos, flautas y hasta coros orientales, así como otros protagonistas de occidente hasta oriente, pueden fundirse en escenarios electrónicos con un suave sabor urbano no comercial.

Kiara y El Toro son dos placeres que hacen parte de la última producción de Bonobo titulada Black Sands, que hablan por sí solas de la capacidad de este artista para elaborar atmósferas que parecen evocar una calle en Calcuta, una vitrina del barrio rojo de Amsterdam o una escena underground en New York, eso sí, sin perder un estilo que pocos artistas llegan a alcanzar ni en toda una vida. En otras palabras, un músico para no perder de vista.

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Boarding Pass and Wistful Day by Briza

2011-06-02T20:54:00.000-07:00

Song: Boarding Pass
Artist: Briza
Album: Ambient Café (2006)
Label: Gemini Sound Records

Song: Wistful Day
Artist: Briza
Album: Ambient Café (2006)
Label: Gemini Sound Records

Briza esta conformado por David Arkenstone (guitarra, teclados, percusión) y Nicholas Gunn (flauta). Ambient Café es sencillamente un masaje para los oídos y un descanso para la mente y el cuerpo con canciones que lindan entre chill-out y new age.

Categorizado como una agrupación "under 2000 listeners" en la red social musical lastfm, vale la pena escuchar y dejarse llevar por la briza, no se arrepentirán.

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Una Disco llena by Los Amigos Invisibles

2011-05-26T16:24:00.000-07:00

Song: Una Disco llena
Artist: Los Amigos Invisibles
Album: The Venezuelan Zinga Son vol. 1 (2004)
Label: Luaka Bop

Los Amigos Invisibles es un sexteto venezolano compuesto por Mauricio Arcas (percusión), Julio Briceño (voz), Armando Figueredo (teclados), José Luis Pardo (guitarra), Juan Manuel Roura (batería) y José Rafael Torres (bajo). Su música es una brillante fusión de múltiples estilos: acid jazz, jazz-funk, disco, pop, house, bossa-nova, electrónica, lounge, son cubano... Claro que lo que mejor define su propuesta es el toque latino que imprimen a casi todas sus composiciones y su facilidad para producir temas que invitan al baile: su música puede calificarse, aunque sólo sea una simplificación, como dance latino. De hecho, el grupo nació como una alternativa a la música de baile que predominaba a principios de los 90, emprendiendo “una cruzada por convencer a los dueños de discotecas quebradas que bailar no solo es salsa y merengue y que guitarra eléctrica no es igual a punketo”. En sus más de dos décadas de carrera, la banda venezolana ha efectuado una imparable ascensión que la ha convertido en un referente mundial del acid jazz, en un grupo cuyos trabajos se editan desde Nueva York hasta Japón. Se trata, por tanto, de uno de los conjuntos más interesantes, estimulantes y recomendables en lo que a música negra bailable se refiere.

Los Amigos Invisibles se forma en 1991, “en respuesta a la movida de grupos rockeros y dark” de Venezuela, convirtiéndose en la única banda dance del país. Cuatro años más tarde, Boris Milán, dueño de un estudio en Caracas invita al sexteto a grabar su álbum debut, gracias a la financiación de alguien que prefiere mantenerse en el anonimato. Sin embargo, una vez grabado el disco y un videoclip, el mecenas contrae matrimonio, lo que deja a los venezolanos sin manera de distribuir su primer trabajo. Afortunadamente, gracias a Caplís (bajista de Desorden Público), contactan con EMI Venezuela, que se encarga de la distribución: A Typical and Autoctonal Venezuelan Band llega a las tiendas. En 1996 los venezolanos viajan a Nueva York, dan un par de conciertos en S.O.B.’s y colocan 20 discos en una tienda, gracias a la mediación de Alberto Cabello, su futuro manager. David Byrne, director del sello Luaka Bop, compra uno de esos discos y decide llamar a la banda que, al estar fuera de contrato con EMI, firma por Luaka Bop.

El primer disco para el sello de Byrne en The New Sound of The Venezuelan Gozadera (1997), producido por Andrés Levín, grabado en Caracas y Nueva York, aunque sólo la mitad del sexteto pudo viajar a la gran manzana. A partir de entonces los amigos comienzan sus primeras largas giras, de tal modo que su tercer trabajo de estudio, Arepa 3000: A Journey into Venezuelan Space, con producción de Philip Steir, no llegó hasta el 2000. Fue grabado enteramente en Estados Unidos, periodo en el que los seis compartieron un piso con un solo baño, que denominaron “el baño peludo”. Las nominaciones a los Grammy y a los Grammy Latinos empiezan a dar a conocer al grupo internacionalmente.

Dada la siempre creciente repercusión internacional de su música y las mayores posibilidades de trabajo, el sexteto decide mudarse a Nueva York. Pronto establecen contactos con productores dance, lo que les introduce en el circuito de los remixes. Además, José Luis Pardo, el guitarrista, acude a cada club en el que pinche Louie Vega y, en cuanto puede, se acerca al productor neoyorquino y le dice: “¿Te acuerdas de mi?, soy el venezolano, tengo un grupo chévere y queremos hacer un disco con ustedes”. Finalmente, la insistencia de José Luis da sus frutos y Louie llama para comunicarle que tiene un día libre para acudir a un ensayo de los amigos. Louie escucha a la banda y en sólo 15 minutos les propone producir una canción: si el trabajo en común resultaba satisfactorio producirían un disco juntos. El resultado de esta primera colaboración es el single Bruja, editado en MAW Records: “Antes de terminar la sesión, los managers de Masters at Work hablaban de presupuesto con nuestra disquera, Luaka Bop”. En Enero del 2002 comienzan dos intensas semanas de grabación de su cuarto álbum, The Venezuelan Zinga Son Vol. 1, un trabajo que los miembros de la banda describen así: “fue una experiencia increíble, saber que estás trabajando con la gente que escribe el idioma que tú quieres hablar es demasiado sabroso; la comunicación era perfecta, las referencias musicales eran las mismas. Todo fue muy fluido. Fue delicioso grabar ese disco. Masters At Work nos hablaba siempre de intuición y de feeling, nunca de técnica ni de pulcritud. Las otras dos semanas de mezcla fueron unas clases magistrales de cómo se hace sonar un tema discotequero”. Pero la relación con Louie Vega y Kenny "Dope" González no acabó tras la grabación: participaron en trabajos y remixes de ambos miembros del dúo y fue gracias a ellos que los venezolanos conocieron a otro de sus héroes, Dimitri From Paris. El francés propuso a los amigos la grabación de una canción para su nuevo álbum Cruising Attitude y, a cambio, él produciría un tema para el sexteto. El resultado fueron los temas Paris-Brooklyn, para el disco del francés, y Diablo para The Venezuelan Zinga Son Vol. 1. En el 2005 llega a las tiendas su quinto álbum de estudio, Superpop Venezuela, producido enteramente por Dimitri From Paris, en el que ofrece versiones de los temas pop venezolanos que más le han influido. En el 2008 presenta En una noche tan linda como esta, grabado en directo, seguido, un año después, por el sexto álbum de estudio, Commercial (Nacional). En Noviembre del 2009, Lovemonk publica el single Plastic Woman, en el que figuran remezclas de Boohgaloo Zoo, Recloose y Frank Booker. De Marzo del 2011 data el EP Not So Commercial, editado, como el álbum al que complementa, por Nacional Records.

Fuente: acidjazzhispano.com

Realmente, después de semejante reseña sobre Los Amigos Invisibles de la página acidjazz.com, conducida por un melómano de tiempo completo como Santiago Tadeo, son muy pocas las cosas que puedo agregar sobre esta banda, que se ha convertido en una de mis preferidas desde hace tiempo.

"Buenas Noches Mis Amigos Invisibles..." Así empezaba un reconocido presentador su popularísimo programa en la televisión venezolana en los años 80's en donde hablaba de cultura, historia y política. Los Amigos Invisibles es una completa gozadera con buena música. Sus letras no hablan de historia ni de política, los temas preferidos del progenitor del afamado nombre de la banda, más bien invitan a la rumba y el sexo, lo que les ha definido un estilo diferencial, no sólo en Venezuela, en donde ya son un icono, sino en casi todo los países que entienden lo que significa la palabra Culo. Su sonido lo catalogaría como Latin Groove, pero su apego al Funk y a la electrónica es todo un hecho. No hacen rock exclusivamente, tampoco lounge ni jazz, simplemente te van a dar ganas de bailar con una nena muy cerca cuando escuches cualquier canción de mis amigos, Los Invisibles.

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Samba da Bençao by Bebel Gilberto

2011-05-19T11:50:00.000-07:00

Song: Samba da Bençao
Artist: Bebel Gilberto
Album: Tanto Tempo (2002)
Label: Ziriguiboom

Bebel Gilberto es una compositora e intérprete de música brasileña, nacida en Brasil en 1966, proveniente de una familia de artistas ya que es hija de Joao Gilberto y Miucha y sobrina de Chico Buarque. En 2000, con la producción de Suba, editó Tanto Tempo, récord de ventas, y en 2004, producido por Marius de Vries, Carlinhos Brown y la misma Gilberto, editó el álbum homónimo, con un sonido más internacional de pop adulto. Sus bellas canciones son a menudo objeto de remixes o reversiones. Trabajó con grandes artistas brasileños e internacionales como Arto lindsay, Towa Tei y Thievery Corporation.

Su música puede definirse dentro de un estilo moderno de bossa nova, influido por la música electrónica.

Fuente: lastfm.es

"Hijo de tigre sale pintado", es un dicho popular en esta región del globo llamada Latinoamérica, y Bebel Gilberto es el mejor ejemplo de ello. Hija del genial Joao Gilberto lleva todo un compendio de la historia musical brasileña en la sangre. Pero Bebel no sólo ha continuado divulgando el exótico y pletórico folclor musical de su país, sino que ha recibido toda la influencia de las nuevas corrientes musicales resultantes al combinar la electrónica con los sonidos autóctonos de Brazil en un matrimonio excepcional.

Su voz es delicada y cristalina, románticas de comienzo a fin las letras de las canciones que elige para sus álbumes. Por esto y por muchas razones son innumerables los artistas que buscan grabar su voz dentro de alguna canción, si no pregúntenle a Thievery Corporation, Edu K, o a la leyenda de Nat King Cole, por nombrar algunos, y es que con el último existe un remix muy especial conocido como Brazilian Love Song y recopilado en el álbum Bella Música Vol. 4, joya de la renombrada colección de José Padilla.

Samba da Bençao se ha inmortalizado, no sólo por su suave tempo de bossa nova acompañado de un saxo que suena en el fondo casi como una brisa de playa, sino porque hizo parte de la banda sonora de la película Closer (2004) protagonizada por la bellísima Natalie Portman y Jude Law, entre otros. Los invito a "bebel" lo mejor de la nueva ola de voces de Brazil...

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Cartwheel (Mirror System Remix) by Tripswitch

2011-05-15T08:52:00.000-07:00

Song: Cartwheel (Mirror System Remix)
Artist: Tripswitch
Album: Circuit Breaker Rewired (2007)
Label: Dragonfly

"Uno de los álbums chillout más finamente grabados". Así describió psyreviews.com a Circuit Breaker Rewired, álbum debut de Nick Brennan, más conocido en la escena electrónica como Tripswitch. Con un sonido espacial, casi magnético por su gran factura, Cartwheel me pareció un excelente ejemplo de la calidad de música de este artista, productor de otras maravillas electrónicas como Geometry (2010), que muy pronto se reseñará por estos lares.

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As de Corazones by Chambao

2011-05-07T20:09:00.001-07:00

Song: As de Corazones

Artist: Chambao
Album: Endorfinas en la Mente (2004)
Label: Sony International

(¿Qué fue antes?
¿El huevo… o la sonrisa?)

Cuando se desciende hasta lo más profundo de uno mismo, se despierta la realidad del alma… Esto es todo lo qué pasó.

Ahora, niños y niñas, guarden un poco de silencio, pero sólo un poco, Todos los presentes formen un círculo, así estaremos más calentitos. Respiren hondo, muy hondo…. Más hondo… Cierren los ojos, y ahora todos verán la misma imagen: una gallina sonriendo. Y… ¡ZLOPP! Un huevo sale rodando, despacio por entre todos, tiene pintados unos ojitos, con dos minúsculos puntitos, ¿los ven?, ¿no? Claro, he dicho que cierren los ojos, algunas cosas importantes sólo se ven con los ojos bien cerrados. Ahora, oirán una canción.

Es la canción de mi vida.

Un dieciocho de enero del año 1.975, no es que yo lo recuerde, es que así me lo han contado, vine al mundo. El mundo estaba recién parido para mí, lo primero fue el olor, el de mi madre, huele a salitre, como mi tierra, mi hogar fue, es y será ella. Mi refugio, mi “chambao”, mi palacio, mi cueva… de pronto, casi al unísono, ¡AIEE! Se hizo la luz, mucha luz, tanta, que al principio me cegó (y eso que era invierno), pero, “pokito a poko” fui despertando a los colores, “colores nuevos” para mí, aunque pronto serían parte íntima de mi ser.

¿Y el huevo? No lo pierdan de vista… es la clave de todo, ¿lo ven?... ha parado un instante, pero sigue ahí, ahora su movimiento es interior, puede parecer inmóvil, pero sólo está observando, mira el círculo que formamos alrededor y está buscando la salida, la puerta secreta, el hueco perfecto; ¿no notan la vida dentro de él?. Con sus ojitos pintados, dos puntos minúsculos en el universo, ¿no es maravilloso?

De niña, a tientas, braceando torpemente, yo metía la cabeza bajo el agua fría y salada. El sabor del mar es el sabor de la vida. A oscuras, la cabeza bien adentro y los ojos apretados porque sino pican…, se puede sentir la explosión del mundo a través de la sal en los labios de un niño. Misterioso y salado así era el sabor del verano de mi niñez. El verano era largo y ancho, los días eran bosques insondables, llenos de horas y minutos para vivir muy de verdad. En uno de esos veranos amables y lúcidos lo conocí. El “duende del Sur”, al principio, era tímido, se asomaba a mis siestas insomnes como un ratoncito husmeador y travieso. Seguro que mis mayores no lo creerán pero era él el que no me dejaba estar quieta y dejarlos descansar esas largas horas de calor húmedo; era él el que quería jugar al escondite y cuando, casi vencida por la canción perfecta de la chicharra, conseguía apaciguar mi actividad y cerrar unos segundos los ojos: ¡ZAS!, volvía a entrar en escena como un titiritero dando volteretas, llenándolo todo de color y alegría, y me desvelaba, me tomaba de la mano y me ayudaba a “fundirme con el aire”, a “escuchar el silencio” y a “escapar del tiempo y vivir sin miedo”. Los miedos son cadenas estériles y él, el duende, me ayudó con los primeros eslabones.

La primera juventud, “pasa deprisa, pasa que vuela, corre que corre…”. Con el paso de la vida te das cuenta de que la carrera es de fondo y si corres demasiado te tropiezas más de lo necesario, para, casi siempre, llegar al mismo sitio; así que decidí tomármelo con más calma, “qu'es mejó caminá pa ir creciendo”.

¡Les pillé! ¡Dije que cerraran los ojos! Sino no podrán ver la maravillosa metamorfosis: al huevo le han salido unas patitas muy chiquititas, pero fuertes. Ha querido con tanta fuerza, ha deseado con tanta fe… que al final, ha resultado: puede andar, ya no necesita rodar por el suelo para poder moverse; incluso, con un esfuerzo mayor, puede dar pequeños saltos aeróbicos. Pero ¡qué increíble es la fuerza del deseo!

En uno de esos períodos de calma, en un oasis del tiempo, lo supe, me había hecho esa pregunta millones de veces, y al fin hallé la respuesta: “y es que yo canto, porque a mí me gusta cantar”. Desde entonces en las mañanas claras y “traspasadas de azul” me repito a mi misma como una oración: “déjate llevar por las sensaciones, que no ocupen en tu vida malas pasiones”.

¡Eso es, es lo que están pensando! Sí, es el mismo huevo que ha encontrado la forma de salir, sólo tenía que saber dónde mirar, … bueno, ha sido mucho más simple que encontrar la salida, se ha dado cuenta de que el círculo estaba abierto, y una gran sonrisa se le ha dibujado en su carita de nácar.

La canción de mi vida, es el susurro y el roce; es el sol que se mece, son las nubes columpiándose, los árboles abanicando el mar, los jazmines acariciando el suelo; son las estrellas cuchicheando en el azul de la noche más clara. Somos todos y cada uno que amablemente nos hacemos sitio meciéndonos en la brisa de la vida; porque el círculo siempre ha estado abierto, sólo tenemos que desear encontrar nuestro hueco.

Pueden sonreír, es gratis.

Fuente: chambao.es

De Málaga, la ciudad andaluza, de allá es esta música que no sabes que trae, simplemente la pruebas una vez y llegas a pensar que te puedes volver adicto a ella. Chambao es el resultado de combinar el flamenco, el chill out y la buena inspiración. Sus letras hablan de la felicidad, el amor, de Dios, de la vida, y La Mari ha sabido como cautivar a un mundo que necesita de su poesía y de su voz mediterránea.

Chambao, cuyo nombre es una voz andaluza que se refiere a una tiendade campaña improvisada para protegerse dela brisa de la tarde en la playa, fue el primer grupo que catalogó su música exclusivamente como flamenco chill, y su estela musical aún hoy continua dejando huella y marcando los corazones de románticos, filósofos, melómanos o personajes que simplemente buscan resguardar su mente de la intolerancia y el desenfreno de las selvas de cemento.

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Paroles, Paroles by Quadro nuevo

2011-04-29T12:34:00.000-07:00

Song: Paroles, Paroles
Artist: Quadro Nuevo
Album: Tango Bitter Sweet (2007)
Label: Justin Time Records

Quadro Nuevo es un cuarteto acústico alemán de música del mundo y jazz. El grupo fue fundado en 1996 y sus componentes son Robert Wolf, Mulo Francel, D.D. Lowka y Andreas Hinterseher (antes Heinz-Ludger Jeromine). Dentro de la década pasada el cuarteto ha tocado más o menos 1500 conciertos por todo el mundo y está con sus numerosos premios y posiciones en las listas alemanas de éxitos como uno de los grupos más exitosos en el ámbito del jazz. Según sus integrantes, el estilo de Quadro nuevo es una composición de «Tango, Valse Musette, Flamenco, una banda sonora desempolvada cariñosa y de una Italia casi expirada”.

Fuente: lastfm.es

Que iba a imaginar la cantante argentina Tormenta, de gran éxito en la latinoamérica de los años 60's y 70's con temas como Chico de Mi barrio, Adolescente Tierno o Palabras, Palabras, que precisamente este última sería retomado genialmente 30 años después por un grupo de alemanes fanáticos del avant-garde con un conjunto instrumental suigeneris que se hace llamar Quadro Nuevo.

Una guitarra, una harmónica, un acordeón, un contrabajo y un saxofón pueden hacer maravillas. Pero si piensan que lo que digo son sólo palabras, palabras, entonces juzguen ustedes mismos...

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Until the last moment by Yanni

2011-04-24T13:23:00.001-07:00

Song: Until the last moment
Artist: Yanni
Album: Live at the Acropolis (1993)
Label: Private Music

Yanni Chrysomallis (Γιάννης Χρυσομάλλης en griego) músico, autor, intérprete y compositor griego nacido en Kalamata el 14 de noviembre de 1954, su música reúne los géneros orquestal, instrumental y lírico.

De niño dominaba el piano, aunque no cursó lecciones para este instrumento. En su tiempo libre interpretaba canciones del momento. Vivió en su Grecia natal hasta los 14 años y tiempo después, a los 18 años, se estableció en los Estados Unidos para luego dar a conocer su nuevo sistema de notación musical.

En su juventud fue un buen nadador, llegó a romper un récord nacional en Grecia. Estudió psicología y recibió la titulación en esa especialización en la Universidad de Minnesota. Como psicólogo realizó trabajos acerca de Sigmund Freud, de quien es admirador.

Su música, de carácter instrumental y melódica es de tipo orquestal. Sus temas se han utilizado como bandas sonoras para el cine, la televisión, los torneos, el teatro y los Juegos Olímpicos. Ejemplo de ello es la canción «Aria», procedente de su primer álbum nominado para un Grammy Dare to dream, y popularizado en el anuncio comercial de British Airways, o películas como I love you perfect. La expresividad de sus melodías al teclado e instrumentación las han llevado a ser consideradas dentro de lo que se denomina Efecto Mozart.

Fuente: lastfm.es

La música de Yanni se podría encajonar fácilmente dentro del género new age, pero sus espectáculos en vivo demuestran una total genialidad a la hora de componer para orquestas como la de las Naciones Unidas, a quien escuchamos en Tribute, por lo que su sonido muchos lo catalogan como "contemporáneo instrumental". Algo que admiro profundamente de él es su capacidad de encontrar músicos con verdadera pasión provenientes de diferentes lugares del globo, los cuales salen a flote en grandes momentos de protagonismo dentro de cada una de las canciones.

Griego de nacimiento pero con una profunda sensibilidad hacia la humanidad, Yanni ha sabido demostrar que deslizando los dedos por las blancas y negras se puede acariciar el corazón. En Until the last moment sientes como esas oleadas de escalas y arpegios parecen no encontrar un final, mientras tu espíritu vibra y se pregunta insistentemente qué ocurre en medio del mediterráneo donde el mar tiene siete colores, para que la inspiración genere tanta belleza...

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Gangchen Gompa by United Peace Voices

2011-04-23T08:44:00.000-07:00

Song: Gangchen Gompa
Artist: United Peace Voices
Album: Sister Bossa Vol. 4 (2003)
Label: Irma Records

Para muchas personas, la música puede convertirse en la pieza clave y medio más importante para difundir sus pensamientos e impresiones de la vida. Tal es el caso de Lama Gangchen Rinpoche quien en 1996 fundó United Peace Voices, un grupo de voces femeninas dedicadas a la composición con letras especialmente ligadas a la enseñanza del budismo, el autoconocimiento y la paz mundial.

Sus performances han recorrido parajes tan distantes como argentina o china, pero su mensaje es el mismo: acercar a las personas a la práctica meditativa e inspirar a los corazones inquietos con su bella música...

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Pacific Memories by Fenomenon and Spanish Moon by Tribe 'N' People

2011-04-19T23:37:00.000-07:00

Song: Pacific Memories
Artist: Fenomenon
Album: Private Lounge Vol. 1 (2001)
Label: EMI International

Song: Spanish Moon
Artist: Tribe 'N' People
Album: Private Lounge Vol. 1 (2001)
Label: EMI International

Private Lounge es una exitosa colección del sello EMI International, cuyos tracks fueron seleccionados por Marc Ricci, uno de los Masters at Work. Ricci no sólo es un gran productor y compositor, también es el DJ residente del famoso club Hotel Costes de París. Cada uno de los seis cds de esta colección (cuya caratula frontal mantiene la imagen de un mueble clásico de la cultura Lounge) consta de dos partes: Cocktail Lounge y Late Lounge. Cada una perfecta para cada momento de la noche.

Cocktail Lounge mantiene un estilo downtempo y Chill Out. Recomiendo no dejar de escuchar los arreglos sinfónicos de Orson (Hypnoman/Nuspirit Helsinki); la mezcla perfecta entre una guitarra y un piano en Jazzybiza (Sa Trincha); un clásico de las pasarelas de todo el mundo llamado Poesie Champêtre (Château Flight); y que tal un final como The End (Llorca) un tema muy funk que perfectamente podría ser grabado por músicos de New Orleans, ya se imaginarán porqué.

Por otro lado, Late Lounge reúne tracks con un poco más de BPM, propicios para seguir la rumba. Este disco (personalmente puedo decir que lo disfruto más) empieza con Pacific Memories (Fenomenon) un exquisito tema con arpegios psicodélicos; en Conquistadors (Forward Mast), Kevin Yost, el joven prodigio de Pensylvania, demuestra por qué es una referencia fija al hablar de buen House; uno de mis temas favoritos de toda la serie es Spanish Moon (Tribe N’ People) que, con un nombre bastante acertado, maneja secuencias muy agradables a los oidos y gracias a una guitarra muy espacial hace pensar que en el país ibérico ya han visto las estrellas desde cerca.

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Stars by Arc of Doves

2011-04-18T16:04:00.000-07:00

Song: Stars
Artist: Arc of Doves
Album: The Lights (2010)
Label: Ay

Arc of Doves es un inquietante proyecto de dos japoneses: Tetsuya Nakamura y Afull. Aparecen en la escena electrónica desde 2001 como agrupación, cuyo nombre traduce "Arco de Palomas". Su sonido "vuela" entre el dub, el ambient y la electrónica, creando agradables atmósferas a base de sintetizadores y mucha programación en binario.

Stars cautiva tu atención casi de inmediato al empezar con suaves arpegios de piano, que podrían recrear a un Robert Miles. Al pasar el tiempo el track va tomando un tinte downtempo con toques de psy chill que no dejan de llegarme como estrellas fugaces al caer la tarde. Un grupo que recomiendo enormemente, pues asombra su capacidad de crear buena música de la nada, como todo lo que bien saben hacer los orientales...

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My one and only love and Angel Eyes by Sting

2011-04-14T12:32:00.001-07:00

Song: My one and only love
Artist: Sting
Album: Leaving Las Vegas (OST) (1995)
Label: Ark 21

Song: Angel Eyes
Artist: Sting
Album: Leaving Las Vegas (OST) (1995)
Label: Ark 21

Pocos artistas son tan polifacéticos y eclécticos como el inglés Sting. Desde sus inicios en el rock con The Police, ha realizado travesías por el amazonas y escrito libros que reflejan su perspectiva unificadora y ecológica. Interpreta un sinnúmero de instrumentos y es, sin lugar a dudas, un artista trascendental y único.

Junto a varios artistas como Don Henley y The Palladinos, Sting hizo parte de la banda sonora de Mike Figgis para Leaving Las Vegas, película con la que Nicolas Cage ganó el oscar a mejor actor y que cuenta la historia de un hombre que es despedido de su empresa y decide irse a Las Vegas para embriagarse hasta morir. Estando allí conoce a una prostituta (Elizabeth Shue) con la que se da una relación suigeneris: dos personas que llenan los vacios del otro.

Lo magistral de My one and only love o Angel Eyes es escuchar a Sting al mejor estilo de un bar en New Orleans a la medianoche. Junto a un piano travieso y al mismo tiempo delicado (dos distintivos difíciles de combinar, créanme) y un contrabajo igual de libre, se disfruta esta versión de Sting del clásico tema compuesto por Guy Wood en los años 50. Puro placer, pura belleza para los oídos...

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Wasabi by Dave Valentin

2011-04-14T10:09:00.001-07:00

Song: Wasabi
Artist: Dave Valentin
Album: Primitive Passions (2005)
Label: Verve Records

Nacido el 29 de Abril de 1952, en Brown, New York . Sus padres eran de Mayaguez, Puerto Rico, y Valentín creció rodeado por la música que sus padres escuchaban. Su hogar estaba lleno de los sonidos de Tito Rodríguez, de Tito Puente, de Machito y de otros. A él le gustaba los bongos y las congas desde niño, y desde su temprana adolescencia se incorporó como timbalero en un grupo latino. Tocó con el grupo de nightclubs latinos de la ciudad de New York en el circuito de "cuchifrito", y en los salones de baile de la clase trabajadora de New York. Valentin fue aceptado en la Escuela Secundaria de Música y Artes de New York donde estudió percusión, pero no fue hasta que tenía 18 años de edad, en la Universidad, cuando llegó a ser interesado por la flauta.

Una muchacha que Valentín quería conocer tocaba la flauta, y él prestó una flauta y le pidió a ella que le demostrara algunas cosas. Un mes más tarde, él tocaba para ella, pero había llegado a ser tan bueno que ella se puso celosa, y su plan no funcionó. Valentín no consiguió a la muchacha, pero continuó estudiando la flauta con Hubert Laws, un popular flutista de jazz conocido por su técnica clásica, y también con el tocador clásico Hal Bennett. Valentín tocó el saxophone por un algún rato, pero Laws lo convenció a él que dejara el saxophone y que concentrara sus energíes en la flauta.

El joven artista trabajó como un maestro de escuela para pagar las cuentas, pero continuó tocando la música y se convirtió en uno de los emergentes músicos de New York . Al comienzo de los años 70, Valentín tocaba con algunas de las bandas latinas más calientes de la ciudad, pero fue su capacidad que le hizo transcender y tocar a la par de los grandes nombres de artistas de jazz como el cantante Patti Austin, el guitarrista Lee Ritenour, y el pianista Dave Grusin quienes notaron el talento de Valentín.

Aunque de descendientes puertorriqueños, Valentín era conocido por "su buena voluntad de investigar y absorber cualquier estilo de la música" escribió Mark Holston en Américas. "Yo...me considero un artista del mundo." Valentín primero logró dominio de la flauta común europea y enseguida experimentó con diversos modelos desde la familia de flautas alrededor del mundo. Él recogió las pipas de cacerola de Bolivia, la flauta de base de bambú de Perú, la flauta de cacerola de Rumania y varios modelos de porcelana y madera de Tailandia, Japón y de otras partes, y exploró también con más de una docena de variadas flautas. Valentín dominó la charanga, un estilo cubano de la música que ofrecía la flauta, después de estudiar diligentemente los métodos de José Fajardo, el rey del género. Frecuentemente usó un ritmo cubano como la fundación para una canción pop tal como "blackbird" de Paul McCartney y John Lennon. Holston llamó al flautista "adepto en mezclar la esencia de estilos Afro-Caribeños con canciones auto-escritas, standards de jazz e himnos de música mundial..."

El crítico Scott Yanow de All Music Guide to Jazz notó que en el lanzamiento de Valentín de 1991, Musical Portraits, era evidente que Valentin "podría convertirse en uno de los mejores flautistas de jazz," pero que hasta ahora él "no había dado todo su potencial." Del lanzamiento de Valentin de 1992, Red Sun, Yanow escribió que Valentín parecía de alguna manera "controlado," a pesar de algunos "momentos apasionados." Y en general, él llamó Red Sun un CD "relativamente agradable."

En 1993, Valentin lanzó Tropic Heat, su primer álbum de jazz latino. Aunque él había siempre "intentado incluir alguna música latina en una cierta manera" en sus álbumes anteriores, él le dijo a Fernando González de Knight-Ridder, que él nunca quería ser "pigeonholed" como un artista estrictamente latino. El expediente tomó algún tiempo para venir a Valentín quien sentía que los ritmos y estilos puertorriqueños eran tristemente ignorados por músicos puertorriqueños principalmente influenciados por sonidos cubanos. Valentín se integró a grabar con prominentes estrellas como el saxophonista dominicano Mario Rivera, el conguero Jerry González, el trompetista Charlie Sepúlveda, el saxophonista David Sánchez, y el trombonista Ángel "Papo" Vázquez. El resultado fue "una mezcla madura de jazz y elementos Afro-Caribeños," escribió González. En el álbum, Valentín le ofreció tributo a su héroe de la infancia, el líder de banda y vocalista Tito Rodríguez, con una versión de la canción "Bello Amanecer." Yanow llamó Tropic Heat "uno de los mejores" de Valentín y una prueba de que Valentín "continúa creciendo como un artista."

Además de su posición usual como líder y hombre delantero, Valentín ha sido también acompañante de algunos músicos legendarios de jazz. Fue el director musical para Tito Puente, su ídolo de niñez, y consideró tocar con McCoy Tyner "like being in heaven," dijo Valentín en su biografía de los Concord Records. Él tocó en la fiesta del séptimo cumpleaños de Dizzi Gillespie y ha sido un huésped con Machito, Ray Barretto, Celia Cruz, Michel Camilo, y Herbie Mann.

Fuente: hispanianews.com

Es considerado, por lejos, como "el mejor flautista de jazz de todos los tiempos". La verdad es que cuando no conocía a Dave Valentin, quedé estupefacto después de escuchar una de sus interpretaciones junto al gran pianista puertorriqueño Eddie Palmieri. Como se puede leer más arriba, Valentín ha sido un musicólogo más allá de ser un intérprete virtuoso, por lo que ha investigado las diferentes variaciones de la flauta por todo el mundo. Otra de las genialidades por las que se le conoce es que su dominio del instrumento llega a tal punto que logra "hacer hablar la flauta", vocalizando algunos sonidos mientras toca.

Esta canción que recomiendo llamada Wasabi, hace honor a su nombre. , Para los que no lo saben, el wasabi es un ingediente muy usado en la comida oriental y para nosotros en la comida llamada sushi. Su característico color verde apastelado contradice su fuerte sensación picante, al punto que, si no estas acostumbrado, te puede sacar lagrimas y poner los ojos de color rojo en cuestión de segundos. El hecho es que los orientales lo usan como un limpiador gástrico muy poderoso.

En fin, disfruten entonces esta exquisita "flauta mágica", que no es precisamente la opera de Mozart, más bien la del mejor flautista de jazz del mundo.

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Love Foolosophy (Mondo Grosso Acoustic Version) by Jamiroquai

2011-04-08T10:26:00.000-07:00

Song: Love Foolosophy (Mondo Grosso Acoustic Version)
Artist: Jamiroquai
Album: Bar Lounge Classics (Latin Edition) (2004)
Label: Sony Music

Jamiroquai es una banda británica liderada por su vocalista Jay Kay, máximo exponente del funk y acid jazz creada en 1992. Sus discos posteriores han ido explorando ritmos un tanto más electrónicos, dance y pop. Hasta el momento la banda ha logrado vender más de 35 millones de álbumes en todo el mundo.

El nombre «Jamiroquai» surge de la unión del nombre de la tribu indígena norteamericana de los iroqueses, con la cual Kay dice identificarse, y el término Jam, proveniente de la palabra «jamming» que es una sesión de improvisación musical.

Fuente: lastfm.es

Escuchando a Jamiroquai te das cuenta que es posible retomar ritmos e influencias del pasado y crear fusiones geniales con elementos modernos. Y es que esta banda ha sabido coger lo mejor del disco de los años 70's y 80's, ejemplo que siguieron agrupaciones como Shapeshifters y Milk Sugar. Pero lo interesante de Jamiro no se queda ahí. Su música se puede bailar pero también escuchar y disfrutar sin levantarte de tu sillón, todo depende del ambiente en el que estés.

Esta deliciosa versión acústica de Love Foolosophy, muy poco conocida, nace gracias a Shinichi Osawa, "el japonés que quiso nacer en Rio", más conocido como Mondo Grosso, cuyo sonido es una sabrosísima mezcla de jazz, funk, algo de house, hip-hop y, sobre todo, mucho sonido brasileiro...

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Aguas Blancas by Inmaculate Ibiza

2011-04-07T18:12:00.000-07:00

Song: Aguas Blancas
Artist: Inmaculate Ibiza
Album: Ibiza Lounge Spirit Vol. 1 (2007)
Label: 3D Vision Relax, Ibidelic Records

Ibiza Lounge Spirit Vol. 1 es la primera publicación de un nuevo sello de música downtempo, donde el famoso 3D Visions une fuerzas con Ibidelyc (Promotor de eventos locales). Esta primera compilación te llevará en un viaje a través del mejor y más reciente lounge producido por artistas y grupos que viven en la isla de Ibiza, donde, para aquellos que han estado allá, el sol, el atardecer y el vivir son únicos.

Masterizado por Sonic Vista Studio, unos de los mejores ingenieros musicales de todos los tiempos trabajando con, por nombrar algunos, los Rolling Stones, Café del Mar Music y Pachá Club, estos 12 tracks combinan todos los ingredientes para un relajante y refrescante verano 2007. (Traducido al español por el blogger)

Fuente: psyshop.com.

Me encanta Ibiza Lounge Sprit Vol. 1 porque es un trabajo con artistas locales un poco menos comerciales que algunos que estamos acostumbrados a oir como A Man Called Adam, Jazzanova o Lemongrass, por nombrar algunos. Este es un CD que cautiva con escuchar una sola de sus canciones, los géneros abarcan desde el chill out hasta el lounge pero todos con la misma finalidad: relajar y llevar a la mente por el mejor de sus viajes. No dejen de escuchar Mañana Club (Earthling); Aguas Blancas (Inmaculate Ibiza), un excelente tema chill que junto con Manali (Steve Fernandez) conservan un aire muy arabe que recuerda el estilo de la música de Buddha Bar; Floating (Hypnotizer) y Relax V02 (Orange) son los temas más ambient de la compilación con sonidos espaciales y efectos de sintetizadores, característicos de este género.

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Air Batucada by Thievery Corporation

2011-04-06T20:53:00.000-07:00

Song: Air Batucada
Artist: Thievery Corporation
Album: The Mirror conspiracy (2000)
Label: Eighteenth Street

Thievery Corporation es un dúo de DJ y productores musicales de la ciudad de Washington, Estados Unidos. Lo integran Rob Garza y Eric Hilton y ocasionalmente, músicos de sesión. Su música puede encuadrarse dentro del estilo de música electrónica denominado downtempo, con influencias del dub, el acid jazz, la música de la India y de Brasil, en una fusión combinada con una estética lounge.

Thievery Corporation edita su producción en el sello (propio) Eighteenth Street Lounge, así como también algunos de sus simples o EP han sido editados por los sellos 4AD y !K7. En 2002 editaron a través de ESL, The Richest Man in Babylon. Este álbum de 15 pistas es similar en su timbre y sonido a su trabajo previo The Mirror Conspiracy, y contiene participaciones de vocalistas de renombre.

Indra, la tercera pista de The Mirror Conspiracy, fue utilizada en avances de la serie The West Wing (5º episodio) y en promociones de la versión india de la cadena MTV para su programa Non Stop Hits.

Las letras de Thievery Corporation han estado notoriamente influenciadas por algunos de los últimos sucesos políticos de notoriedad. Cortes como Amerimacka, presente en su álbum The Cosmic Game y The Richest Man in Babylon del álbum homónimo, muestran la oposición que mantienen a las políticas de la administración del gobierno norteamericano presidida por George W. Bush.

En septiembre de 2005, Thievery Corporation participó en el concierto de la Operación Alto al fuego (Operation Ceasefire), con el objetivo de detener la guerra en Irak. Algunos temas de Thievery Corporation, extraídos de The Richest Man in Babylon y The Cosmic Game fueron incluidos en el menu del juego de video Tiger Woods PGA Tour 06, publicado por EA Sports en 2005.

Fuente: lastfm.es

Quien dice haber escuchado buena música electrónica se ha tenido que topar con Thievery Corporation, ese duo de DJs con un número para nada pequeño de influencias dentro de su música. Con géneros como el dub, el lounge, el trip-hop y hasta la bossa nova, a veces olvidas que has estado escuchando la misma agrupación. Sus canciones revelan desde un tour por el oriente (Lebanese Blonde, Un simple histoire) hasta un periplo por la costa de Brazil (Samba Tranquille, Air Batucada). No por nada hacen parte de compilaciones que ya son leyenda dentro de la cultura lounge como Bar Lounge Classics, Lounge Anthology, Café Solaire y Ambient Lounge.

Escuchar a Thievery Corporation es una travesía por distintos lugares con cientos de experiencias sonoras algunas veces acompañadas por voces casi siempre femeninas. Su pasión por Brazil y unos loops perfectamente acentuados es marcada en casi toda su discografía, lo cual automáticamente los ubica dentro del Spa de los Oídos.

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Gymnopedie N° 1 by Natasha Marsh

2011-04-03T15:22:00.000-07:00

Song: Gymnopedie N° 1
Artist: Natasha Marsh
Album: Amour (2007)
Label: EMI Classics

Natasha Marsh es una de las sopranos más aclamadas en el Reino Unido y en todo el mundo. Su poderosa y enigmática voz parece venida del mismo cielo en esta impresionante versión de la Gymnopedie N° 1, de Erik Satie, el pianista y compositor francés de comienzos del siglo XX. Amour, su álbum debut, llegó a los primeros lugares de las listas de música clásica del viejo continente, y después de eso, el carrusel de éxitos no se hizo esperar. Ha estado en el escenario con otras grandes voces como Russell Watson, Il Divo y Paul Potts.

Aunque su relación con la opera es estrecha y conmovedora, su repertorio abraza clásicos populares a los que les da una dimensión inimaginada. Sé que empezarán a amar a Natasha , así que disfruten la voz de esta bella figura de ojos azules como el cielo.

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El Mareo (feat. Gustavo Cerati) by Bajofondo Tango Club

2011-03-28T11:19:00.000-07:00

Song: El Mareo (feat. Gustavo Cerati)
Artist: Bajofondo Tango Club
Album: Mar dulce (2007)
Label: Decca

Bajofondo Tango Club esta conformado por un grupo de jóvenes uruguayos y argentinos que llevaron los sonidos y arreglos característicos del tango a otro nivel. El grupo viene en una curva ascendente de reconocimiento en la escena electrónica de todo el mundo desde que, en 2003, su primer álbum (homónimo) y su sonido de Tango Electrónico convenció a los Jurados del Grammy Latino y los rioplatenses se alzaron con el premio a “Mejor álbum de música Pop Instrumental”. Su productor es, nada más y nada menos que Gustavo Santaolalla, reconocido por sus Oscar en las bandas sonoras de Secreto en la Montaña (2005) y Babel (2006).

En fin, para quienes gustan de nuevas tendencias y fusiones musicales y, además, para los que piensan que la música electrónica es sólo punchis punchis, ahí les dejo El Mareo con un Cerati gigantesco en la voz: "Otra razón para creerle a los argentinos, aparte del fútbol y la publicidad.”

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El momento (Jimmy delta Mix) by Siete

2011-03-26T11:01:00.000-07:00

Song: El Momento (Jimmy Delta Mix)
Artist: Siete
Album: Colombia Lounge (2006)
Label: Discos Fuentes

La música electrónica en Colombia se viene tejiendo desde hace varios años, y esa tendencia musical cada día conquista más adeptos. Hoy es un fenómeno que atrae a la juventud, la cual se encarga de extender su rango de influencia, por los continuos eventos que se programan, por la difusión del género a través de algunas emisoras especializadas que logran un mayor impacto, y por el lanzamiento de trabajos independientes gracias al esfuerzo de artistas locales. Los excelentes resultados de estos esfuerzos permiten pensar que ha llegado el momento de lanzar un primer compilado de música electrónica en su estilo Lounge, con talento nacional.

El Lounge es la fusión del Jazz, el Blues, la Bossa Nova, el Reggae, el Hip Hop y otras expresiones musicales de distintos regiones, con la música electrónica en sus estilos de Chillout, Ambient, Downtempo, Drum’N’Bass, y otros.

Tanto en Medellín como en el resto del país existen varios artistas que exploran estas fusiones y que buscan un medio de difusión más masivo, como lo podría llegar a ser Discos Fuentes. La compañía por su parte, busca iniciar un sello, LA MOVIDA C, que reúna estas nuevas tendencias juveniles. La unión de estos dos intereses ofrece una razón poderosa para crear el primer compilado Lounge con talento nacional.

Fuente: colombialounge.motime.com

Quien viene a conocer Colombia se enamora de ella. Hay que recorrer unos pocos kilómetros de un pueblo a otro para descubrir con asombro la gran diversidad de paisajes, comidas y músicas que encuentras aquí. Un saxo alto y un acordeón acompañando al ritmo de un vallenato muy urbano con una marimba de chonta retumbando en la percusión. Así es El Momento. Si para Juanes "La vida es un ratico", para Siete la vida es "El Momento".

Colombia Lounge reune a varios exponentes de la escena lounge y electrónica de Colombia, unos más conocidos que otros, pero todos con una increible propuesta. Este CD lo recomiendo para quienes quieren oir algo diferente, música ecléctica en la que definir un ritmo específico es una tarea difícil.

Otros de mis temas predilectos del álbum son: Coffeland (2 Revoluxion) con una agradable y relajante secuencia chill además del fragmento original de una noticia sobre Colombia añadida al final; En Ultraliviano (Ghava) se disfruta un sabor muy latino gracias a una flauta que acompaña. El Clavado (Charco Corazón) es el tema con toque new age de la selección y uno de mis favoritos, sus sonidos evocan un bosque lejano y místico. Por algunos momentos siento escuchar a los legendarios de Deep Forest.

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Neuron Huskie by Tipper

2011-03-25T12:05:00.001-07:00

Song: Neuron Huskie
Artist: Tipper
Album: Broken Soul Jamboree (2010)
Label: Tipper Music

Tipper (su nombre real es Dave Tipper) es un productor y DJ británico especializado en nu skool breaks, electro y trip hop.

Aunque es conocido sobre todo en la escena breakbeat, su producción tiene fuertes indicios de electro e IDM, entre otros estilos. Es conocido por su interés en frecuencias bajas extremas, con sus emisiones a menudo incluyendo tonos de prueba larga SubBass al final. Él y los mismos intereses que la gente de su sello discográfico, Fuel Records, también han participado en maniobras como vaciar una piscina, cubriéndola con una bóveda acústica para disfrutar de los bajos, o ahogando The Prodigy en el escenario principal del V Festival con su equipo de sonido para el automóvil estacionado a varios kilómetros de distancia. Tipper produce también bajo el seudónimo de Crunch con Mike Wallis alias Psi Spy.

Fuente: lastfm.es

El término IDM quiere decir Intelligent Dance Music, y aparece como una corriente musical de vanguardia. En su elaboración se ven involucrados secuenciadores y un computador dotado de software para producción musical. Podríamos decir que el género deriva de hermanos mayores como el ambient, electro, techno y hip-hop.

Si escuchas Neuron Huskie descubres que no tiene un comienzo ni un fin y que su hilo conductor parece ser la banda sonora de una película que el productor construye en su cabeza, y nadie más conoce. Es interesante como los sonidos surgen de la nada y van generando un ambiente electrónico que encuentra cauce cuando entra el drum & bass, muy característico de Tipper. Si un computador hablara en un lenguaje determinado, este sería IDM; no por nada es la música favorita de la cultura geek y la de muchos hackers.

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Vagalume and Terra Mae by Donati

2011-03-24T10:29:00.001-07:00

Song: Vagalume
Artist: Donati
Album: Vagalume (2006)
Label: Cool D:vision Records

Song: Terra Mae
Artist: Donati
Album: Vagalume (2006)
Label: Cool D:vision Records

Es italiano, de Milán. Sin embargo, parece haber nacido en Brasil. Su nombre es Rinaldo Donati, un músico del viejo continente que ha sabido combinar los sonidos alegres y exóticos de los ritmos populares brasileños con las influencias underground del nu-jazz.

El nombre de Vagalume, viene del portugués Vaga-lume, y significa "Luciérnaga", animal que sólo de noche aparece cuando su cuerpo proyecta luz por instantes. Pero Vagalume no sólo es para la noche, sus atmósferas de piano, vibráfono, guitarras de jazz y la percusión, que no puede faltar en ninguna creación musical influenciada por este país, todos en perfecta armonía, se convierten en la excusa perfecta para apartar la realidad un poco y disfrutar de unos arreglos impecables.

Igual de interesante en esta canción que da nombre al álbum, el iniciar con un fragmento de la película La Ciudad de Dios, cuando Zé Pequenho pregunta quién llama a la puerta. Como muchos saben, esta cinta es considerada la versión brasileña de El Padrino. No dejen de escuchar otros temas sublímes del álbum como Terra Mae y Rosa Vaidosa, éste último incluido en una de las compilaciones de Milano Fashion.

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La tarde es caramelo (feat. Diego "El cigala") by Vicente Amigo

2011-03-22T13:28:00.000-07:00

Song: La tarde es caramelo
Artist: Vicente Amigo
Album: Ciudad de las Ideas (2000)
Label: BMG

Vicente Amigo (1967) es un guitarrista flamenco nacido en Guadalcanal (Sevilla, España) y criado en Córdoba. Empezó en el flamenco trabajando con artistas como Juan Muñoz (El Tomate), Merengue de Córdoba o Manolo Sanlúcar. Colaboró en el disco de Camarón de la Isla «Soy Gitano» de 1989. Compuso e interpretó a la guitarra el disco de José Mercé «Del Amanecer…».

Obtuvo el premio de guitarra de concierto en el Concurso Nacional de Córdoba en 1989. Con sus trabajos en solitario ha obtenido diversos reconocimientos, como el galardón flamenco de los ‘Premios de la música’.

La música de Vicente Amigo, siempre tan inspirada en la poesía andaluza, autores tales como Rafael Alberti, o Federico Garcia Lorca, junto a su maravillosa manera de captar todo el sabor mediterráneo oriental del sur de españa, es hoy por hoy lejos lo mejor que en guitarra flamenca podemos esperar. No es de extrañar que su éxito haya sido rotundo, sus colaboraciones dentro y fuera del flamenco, unido a su capacidad de composición exquisita y excepcional, hacen de Vicente un artista completísimo y de un carácter en sus melodías que imprime calma y arrebato en una perfecta armonía.

Fuente: lastfm.es

La música de Vicente Amigo la conocí una tarde, observando un cortometraje que una amiga había realizado como parte de su carrera de arte dramático. En una escena recuerdo que escuché una trompeta que entonaba un fraseo en un fondo de guitarras único, lo cual me maravilló siendo dos instrumentos de corrientes tan distintas. El tema era Noche de Galicia, y así empezaba una relación con un género y un artista que estaba dentro de mi cabeza en pañales: el new flamenco.

Un deleite de siete minutos y una de las mejores canciones del new flamenco, ese nueva ola musical que recoge la herencia de los palos flamencos. Así podría definir La tarde es caramelo del álbum Ciudad de las Ideas, ganador del Grammy Latino al mejor álbum flamenco en el año 2001. Para este trabajo, Vicente Amigo tuvo colaboraciones de artistas de renombre como Montsé Cortés y Diego "El Cigala", éste último quien canta en la presente canción.

Muchos críticos aciertan al ubicar a Vicente como el sucesor de Paco de Lucía, ese personaje que llevó el flamenco a otro nivel en la escena internacional y que hizo que se dispararan las ventas de guitarras por todo el mundo en las últimas décadas del siglo pasado. Quien escucha a Vicente Amigo descubre en poco tiempo su impecable ejecución del instrumento que resulta en sonidos, arpegios y rasgeos de una belleza arcana así como su cercanía con el jazz , que se evidencia en varios pasajes de sus canciones. Ciudad de las Ideas, es un compendio de historias, en su mayoría instrumentales de las que recomiendo también Tres notas para decir te quiero y Bolero de Vicente.

"Cerca del río hay un sendero donde la tarde es caramelo, cerca del río yo... yo me pierdo. Me encontraré cuando me encuentre con tus besos."

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Rumbrazil by Mystic Diversions

2011-03-18T21:04:00.001-07:00

Song: Rumbrazil
Artist: Mystic Diversions
Album: Crossing The Liquid Mirror (2001)
Label: Rasa Music

El proyecto Mystic Diversions es el resultado de la sensibilidad musical de Franceko, músico y compositor de Florencia, quien es bien conocido por su pasado exitoso bajo el seudónimo de Mike Francis.

Lo que empezó como un proyecto de música del mundo se empezó a convertir en un viaje fascinante hacia el ambient y el lounge, con influencias auditivas de ethnic, latin y el mundo del RnB y Soul, todos filtrados a través del toque y sensibilidad de Francesko y la gente que invitó a bordo.

"Mirando gente y lugares desde la distancia, porque viajar no siempre es posible, pienso que vivimos en un mundo muy pequeño, donde todos actuamos diferente pero no tan diferente. Y si yo viviera en otra ciudad, cualquiera que fuera, mi vida podría haber sido diferente pero no tan diferente, me habría casado con alguien más, diferente, pero n tan diferente. Cualquier lugar en este mundo podría haber sido mi hogar. Esa es la razón por la que yo siento que debo protegerlo. Estas cosas y otras (diferentes, pero no tan diferentes de los pensamientos de cualquier otro) estuvieron en mi mente mientras yo escribía "Desde la Distancia".

Francesko, Ponza, Verano de 2005.

Fuente: myspace.com/mysticdiversions

Mystic Diversions es un grupo bastante difícil de encajar en algún género específico. Su fundador, alma de la agrupación, es un ser de visión cósmica y unificadora, que traducida al lenguaje de la música trasciende por medio de sonidos que parecen recoger la conciencia colectiva de diferentes regiones del mundo. Por lo tanto, su discografía es pletórica de influencias de todo el mundo al mejor estilo de Putumayo Records, pero con un aire más sofisticado, más de bar lounge.

Soy un aficionado a la música y folklore del brazil, por lo que se podría decir que lo que hace referencia a esa parte del continente, ya sea las playas de Rio, los carnavales de Salvador Bahía, o la inmensidad del Mato Grosso, impregna mi espíritu de placer y disfrute. La apuesta de Rumbrazil parece sacada de una discoteca en la luna, cuyo propietario es un brasilero que extraña sus atardeceres y aborrece las bajas temperaturas. Al mejor estilo lounge, su percusión hace que busques con ansía lo más parecido a un caipirinha cerca tuyo.

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A New Life by Alexandre Desplat

2011-03-16T18:13:00.000-07:00

Song: A New Life
Artist: Alexandre Desplat
Album: The Curious Case of Benjamin Button OST (2008)
Label: Concord Records

Alexandre Desplat (23 de agosto 1961 en París, Francia) es un compositor de cine, nominado al Oscar y ganador de un Globo de Oro. Conocido por las bandas sonoras de The Queen, La joven de la perla, Syriana, El velo pintado, Casanova, The Nest, Birth, y mas recientemente Las Reliquias de La Muerte Parte1.

Sus melodías, por su belleza, recuerdan a las del gran Georges Delerue.

Nacido en París en 1961, Alexandre Desplat estudia piano a los 6, trompeta a los 8 y flauta a los 10. Sus profesores de flauta serían Max Porret, Raymond Guiot y Pierre Sechet. Obtiene el Primer Premio en flauta y música de cámara del CNR de Boulogne–Billancourt y del CNR de Créteil.

Aparte del campo de la música clásica, él toca Jazz y Bossa-nova, e interpreta y graba con varios artistas como el brasileño Carlinhos Brown o el zaireño Ray Léma. Decide ser compositor de películas y así unir sus dos pasiones: la música y el cine.

Estudia análisis musical con Claude Ballif en el Conservatorio de París y es seguidor del sistema UPIC de Iannis Xenakis. Jack Hayes, en Los Angeles le introduce en el mundo de las grabaciones de Hollywood. Ha dado conferencias en «Composición para cine» en el “Royal College of Music” en Londres y en «La Sorbonne» en París. Ha dirigido sus grabaciones con la London Symphony Orchestra, la Royal Philharmonic Orchestra, la Czek Philharmonic, la Berlin Studio Orchestra, la Munich Symphony Orchestra, entre otras. Aparte del campo del cine, ha escrito música para teatros, televisión, ballet, anuncios y ha compuesto canciones para Kate Beckinsale, Charlotte Gainsbourg, John Hurt, Michael Gambon, Catherine Ringer, Akhénaton, etc.

Fuente: lastfm.es

Aunque no me considero un cinéfilo de tiempo completo, sí puedo decir que es uno de mis pasatiempos favoritos. Como se imaginarán, el soundtrack de la película pasa a ser un elemento importante para mi disfrute de la cinta; todos sabemos que hay bandas sonoras memorables y que trascienden con el pasar de los años. Tal es el caso de la música de The Curious Case of Benjamin Button, la cual considero una pieza de colección que va muy de la mano con la calidad de la película. Para este film, el francés Alexandre Desplat, reconocido por haber elaborado los fondos musicales de clásicos como The Girl with a pearl earring, Meet Joe Black y The English Patient, entre otros, nos trae un precioso score en un tono clásico contemporáneo.

A New Life expresa esa sensación de levantarnos un día y mirar por la ventana, cuando de pronto nos damos cuenta que hay cosas a nuestro alrededor verdaderamente hermosas que habíamos ignorado por mucho tiempo. Ese día sentimos que algo se reinició dentro de nosotros, no sabemos qué, sólo sabemos que estamos vivos...

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Inner Truth by M-Seven

2011-03-15T21:52:00.000-07:00

Song: Inner Truth
Artist: M-Seven
Album: Activate (2003)
Label: Edit Corp.

M-Seven es Maurizio Nalli, un canadiense que muy pocos conocen. Sin embargo ha trascendido especialmente en la red y la biblioteca musical de exploradores como el que escribe. Ha hecho más de cien lanzamientos y remixes con sellos, en su mayoría independientes, como era de esperarse. Sus canciones son totalmente energéticas como bien reza en el álbum: reflective energy for the mind. Sería interesante preguntarse por qué eligió lo que parece ser bambú para el coverart, quizás para imprimir un toque oriental a su trabajo, que definitivamente esta lejos de un buddha-bar, más cerca de un Zero Cult.

En mi opinión personal, Inner Truth es la canción mejor elaborada de este álbum, perfecto para una sesión de estudio o para simplemente encontrar nuevos escenarios mentales.

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Sweet Lullaby by Deep Forest

2011-03-14T15:06:00.001-07:00

Song: Sweet Lullaby
Artist: Deep Forest
Album: Sweet Lullaby (1993)
Label: Sony Music

Deep Forest es un grupo de World Music integrado por los músicos franceses Eric Mouquet y Michel Sanchez. Activos desde el año 1992, en sus producciones fusionan música de diversas partes del mundo con sonidos electrónicos de vanguardia dando así canciones de género New Age, Electrónico, Étnico y Ambiente.

El proyecto se inició cuando Sanchez -músico de formación clásica y ávido estudiante de música étnica- compró a la UNESCO numerosas grabaciones realizadas en diferentes comunidades a todo lo largo del continente africano. Decidió intentar combinar las grabaciones con un concepto pop moderno y se las mostró a su amigo Mouquet -autodidacta que componía y arreglaba principalmente con sintetizadores, dando a su música sonido ambient dance- a quien le interesó la idea. Ambos se fascinaron por la sorprendente técnica usada, en la que las cuerdas vocales se utilizan como un intrumento musical; y comenzaron a samplear los sonidos nativos para usarlos con sus pistas de dance atmosférico. Con el ingeniero y productor belga Dan Lacksman definieron un sonido: la música de Deep Forest intenta recrear el muy particular ambiente de una comunidad de la selva húmeda tropical y en ella se puede escuchar las aves gorjeando, el zumbido de los insectos, el gotear del agua en los helechos, las voces conversando mientras la gente camina. Finalmente, tras un año de producción apareció su disco inicial.

Este primer trabajo aparecido en 1992 y titulado Deep Forest, fue mejor identificado por el tremendo éxito internacional de su sencillo Sweet Lullaby. El disco reunió sonidos contemporáneos del ambient techno con las aullantes voces de los Baegu de las islas Salomón. En 1993 fueron nominados al Grammy en la categoría best world álbum. En 1994 apareció World Mix una reedición de su álbum inicial con versiones remezcladas añadidas.

Fuente: lastfm.es

Si hay una canción de la que se puede decir que ha inspirado a muchos artistas y creado géneros musicales por medio de la experimentación, esa canción es Sweet Lullaby que de la misma forma que clásicos como Breathe de los franceses de Télépopmusik, rompieron barreras que aún hoy no terminan de cerrarse. Tal vez no es casualidad que los dos sean del país de las baguettes, lo que sí es un hecho es que en el caso de Deep Forest con Sweet Lullaby nació una imperante búsqueda de los músicos y artistas por sonidos naturales que entraran en perfecta armonía con los loops electrónicos de un estudio. Este especial encuentro cautivó especialmente mi atención desde el primer momento. Recuerdo que escuché este duo gracias a un amigo que por esa época llegó de Europa, en donde el cd ya estaba causando furor y no puedo negar que gracias a este "Bosque Profundo" hoy mi cercanía a la música chill out, new age, y ambient, se haya convertido en toda una aventura.

No son pocos los autores y sellos musicales que se atreven a poner Sweet Lullaby a la altura de clásico, e incluso himno de lo que hoy llamamos ambient. Por supuesto el Spa de los Oídos, no se quedaría atrás. Así que los invito a adentrarse una y otra vez a este bosque legendario.

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Natural Wonder and Cavadellic by Sax O' Conga

2011-03-12T14:22:00.000-08:00

Song: Natural Wonder
Artist: Sax O' Conga
Album: Green Groove (2010)
Label: Mole Listening Pearls

Song: Cavadellic
Artist: Sax O' Conga
Album: Green Groove (2010)
Label: Mole Listening Pearls

Phillip Gubelmann es el creador y líder del proyecto musical llamado Sax O' Conga. Este alemán, nacido en 1978 en Zurich, aprendió a tocar el saxofón a la edad de 10 años junto con su hermano gemelo, después conocería la flauta. Ha hecho parte de varios grupos de funk y jazz desde sus inicios, llegando incluso a grabar el saxo en los álbumes Minuit y Eclectica del DJ "Minus 8".

El sonido de Sax O' Conga se podría definir como una transición entre el jazz y el chill out, y sus interpretaciones de los instrumentos así como el fondo digital son de una exquisitez inigualable. Tal vez por ser el piano un gran protagonista, Natural Wonder es uno de mis temas favoritos de Green Groove, su primer trabajo discográfico, pero no dejen de escuchar otros como Cavadellic y Playground. Una imagen vale más que mil palabras, y créanme si digo que esta carátula expresa lo que su mente y cuerpo experimentarán al escuchar este ensamble que no hay que perder de vista.

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Ocean Beach (Cybophonia Cinematic Remix) by Black Mighty Orchestra

2011-03-10T07:47:00.000-08:00

Song: Ocean Beach (Cybophonia Cinematic Remix)

Artist: Black Mighty Orchestra
Album: Ministry of Sound Chilled (1991-2008) (2008)
Label: Ministry of Sound

Black Mighty Orchestra es un projecto lanzado por Cesare Black Mighty Wax' Cera, productor y gerente del sello Irma Records, junto con algunos de los músicos que han contribuido al desarrollo del perfil del sello a través de los años. Black Mighty Wax empezó a trabajar en el circuito musical a finales de los 70's tocando como percusionista en varios grupos de la escena funk italiana. Durante los 80's trabajó como DJ de radio, incrementando su conocimiento del funk y soul de los 70. A comienzos de la década de los 90, con la explosión de la música house, Black Mighty Wax encontró inspiración para iniciar su primera producción en equipo con Soundhands y Elise para formar el acto Be Noir. Al final del siglo pasado Black Mighty Orchestra lanzó su album debut bajo el título "To the Sky". La canción que abre el album, Ocean Beach, fue remezclada en 2001 por elcompañero de Irma Cybophonia y se convirtió en uno de los verdaderos himnos de lo que es llamado género chill out. Esta canción ha aparecido en docenas de compilaciones de diferentes sellos de todo el mundo. (Traducido al español por el blogger)

Fuente: irmagroup.com

Hay canciones que no te cansas de escuchar y siempre le encuentras algún detalle que habías pasado por alto. Ocean Beach es una de ellas, y lo que muchos no saben es que esta basada en un tema del inmortal Henry Mancini llamado Lujon (también conocido como "Slow Hot Wind"). Por supuesto los arreglos orquestales y los violines que escuchamos durante el tema original se ven engrandecidos en esta remezcla de gran factura, tal vez sólo extraño un poco el solo de saxo tenor. ¿Qué iba a imaginar el hombre que creó la banda sonora de la pantera rosa que las nuevas generaciones sublimariamos y nos deleitariamos con sus composiciones? La verdad es que Ocean Beach, me atrevería a decirlo, es una de las mejores canciones downtempo, y específicamente Chill Out, que he escuchado. En buena hora Maestro...

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Luna and Chair by Ganga

2011-03-07T11:11:00.000-08:00

Song: Luna
Artist: Ganga
Album: I dream about trees (2005)
Label: Music for Dreams

Song: Chair
Artist: Ganga
Album: I dream about trees (2005)
Label: Music for Dreams

Ganga es de esos artistas que cuando escuchas la primera canción dices: ¿por qué no me lo había topado antes? Y les tengo la respuesta: no es muy comercial. De hecho, no he encontrado información sobre él en la web, pero su sonido es muy apreciado por los conocedores de lounge. Su álbum I dream about trees es una joya que vale la pena escuchar y Luna o Chair son tan sólo una muestra de la genialidad de este misterioso personaje que me recuerda el estilo inclasificable de Bonobo en temas como Kiara de su álbum Black Sands editado el año pasado.

Si las palabras se las lleva el tiempo, juzguen ustedes mismos esta luna pues existe la posibilidad que se conviertan en lobos con oídos exquisitos. Por supuesto, prometo hablarles un poco más sobre este artista, cuya información es bastante escurridiza.

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So Nice (Summer Samba) by Astrud Gilberto

2011-03-07T10:56:00.000-08:00

Song: So Nice
Artist: Astrud Gilberto
Album: Diva (2003)
Label: Diva Series

Astrud Gilberto (Bahía, Brasil, 29 de marzo de 1940). Es sin duda una de las voces más importantes dentro la corriente latina del jazz y de las cantante mas representativas de la «bossa nova» un estilo surgido en la raíz del pueblo brasileño, y que entronca con lo mejor de la tradición latina del swing.

Cuando se casó en 1959 con uno de los primeros guitarristas de Bossa nova, João Gilberto, ingresó en el mundo de la música. En 1963 estaba acompañando a su esposo en Nueva York mientras grababa con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista estadounidense Stan Getz un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova, cuando a instancias de de su esposo, Astrud Gilberto cantó unas estrofas y gustó tanto su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, grabó el disco Getz/Gilberto y ni siquiera recibió crédito en el disco. Pocos años más tarde se separó de João Gilberto.

Su éxito cantando Garota de Ipanema la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasilera. A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística. Grabó en varios idiomas, inclusive en español.

Fuente: lastfm.es

So Nice, también conocida como Summer Samba o Samba de Verão, es una bella bossa interpretada por la encantadora Astrud Gilberto, tal vez la dama que logró que a muchos y muchas nos atrapara la magia de la música brasilera para siempre. Con una ternura de adolescente enamorada nos canta en inglés sobre la emoción que produciría encontrar algún día alguien que te coja la mano fuerte, que te entienda, sea un equipo contigo y que te ame de verdad, that would be so nice.

Existen varias versiones de esta delicia de Copacabana, entre las que destaco la de Bebel Gilberto, y la de Diana Krall en su ya conocido estilo smooth jazz, que sin ser de la talla de la de Astrud, de alguna manera heredan la esencia de esta hermosa composición de Marcos Valle con letras en inglés de Norman Gimbel.

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